L'escarpolette.

Tableau rococo peint par Jean Honoré Fragonard vers 1767-1768 et intitulé "Les Hasards heureux de l'escarpolette". Cette huile sur toile est considérée comme un des chefs-d'œuvre du XVIIIe siècle français. Elle est conservée à la Wallace Collection de Londres.

Une femme, vêtue d'une impressionnante robe rose à volants se balance dans les airs sur une escarpolette, poussée par son mari. 

Le mouvement de la balançoire est suffisamment important pour qu'elle perde une de ses mules dans l'aventure. Perdre sa chaussure symbolise la perte des conventions sociales et de la pudeur. La jeune femme, à chaque passage s'offre à son amant. 

Le mari, tout à l'attention de son nouveau métier, ne se doute pas que justement, l'amant de la dame est allongé dans les buissons et qu'il profite à chacun de ses passages d'une vue privilégiée de ses jambes ou peut être plus, sous ses jupons. La jeune femme, elle, oscille entre son amant et son mari, ce qui révèle l'inconstance de ses sentiments et le vertige du désir.

L'amant, qui voit constamment passer devant lui l'objet de son désir, tend son tricorne vers lui, le saluant au passage.

En bas, à droite, un chien aboie au passage de la balançoire comme s'il redoutait l'issue de ce libertinage. Mais la statue de Cupidon, à gauche, lui intime de se taire, en posant son doigt sur sa bouche.

Au centre, presque sous la dame, deux angelots sculptés, chevauchent un dauphin. Eux aussi, tout comme l'amant ont le regard tourné vers le haut symbolisant la passion amoureuse.

Pour couronner le tout, les buissons de rose et la végétation luxuriante évoquent les plaisirs sexuels, tandis qu'un rayon de soleil éclaire la jeune femme et son amant, oubliant le mari trompé dans l'ombre de la végétation.

On peut dire que Fragonard n'a rien oublié dans cette composition.

Mais comment un tel tableau a-t-il pu voir le jour? Le dramaturge Charles Collé, dans son journal, en octobre 1767 nous en explique la génèse.

Un riche noble français, le baron Saint-Julien, receveur général du clergé invite un jour le peintre Gabriel François Doyen à le rejoindre dans sa "maison de plaisir" en compagnie de sa jeune maîtresse. Il la présente à Doyen et lui demande de peindre une scène où sa maîtresse se balancerait sur une escarpolette poussée par un évêque. Et il ajoute: "Vous me placerez de façon, moi, que je sois à portée de voir les jambes de cette belle enfant, et mieux même si vous voulez égayer davantage votre tableau". 

Le thème de ce tableau a donc été imposé par le baron Saint-Julien. Seulement, il faut savoir que Gabriel François Doyen était surtout célèbre pour ses grandes peintures religieuses, comme par exemple le "Miracle des Ardents". Voilà qui l'éloignait sérieusement de son thème de prédilection. Il en éprouva même un haut-le-cœur, profondément choqué par la vulgarité de la demande et de son caractère blasphématoire. Mêler un évêque à cette turlupinade, lui donnait des sueurs froides. Il refusa donc tout net la commande, mais devant l'air déconfit du baron, il lui recommanda un jeune peintre prometteur susceptible d'accepter la chose. Ce jeune peintre, c'était Fragonard.

Fragonard rencontre le baron Saint-Julien qui lui expose son projet. Il accepte avec enthousiasme. Cependant, il devait songer à protéger sa carrière et éviter de subir les foudres de l'Eglise et la censure royale. Il explique alors qu'un évêque n'apportait rien d'intéressant dans la scène, que l'important c'était la balançoire, la petite maîtresse, juchée dessus, montrant ses jambes et le baron couché dans les rosiers les admirant. Il proposa alors un homme laïc, âgé, un mari quoi! tapi dans l'ombre. Un mari cocu amuse toujours le public puisque ça n'arrive qu'aux autres. 

Evidemment, le tableau était destiné à être exposé seulement dans un cabinet de curiosités libertin mais le sort en décida autrement.

En effet, plus tard, la petite maîtresse oubliée, le baron de Saint-Julien vendit cette toile au fermier général Marie François Ménage de Pressigny. Vient la terreur révolutionnaire de 1793, et les deux protagonistes furent guillotinés en 1794. Le tableau horrifie les révolutionnaires qui le considère comme le symbole absolu de la frivolité et de la décadence de l'aristocratie. Il est saisi, devient bien national et disparaît on ne sait où pendant plusieurs dizaines d'années. Sans qu'on sache trop comment, il réapparaît sous le second Empire dans la collection privée du duc de Morny, le demi-frère de Napoléon III, grand amateur d'art. Le duc de Morny décède en 1865 et sa collection est dispersée par une vente aux enchères. "L'escarpolette" faisait partie de la vente et c'est le marquis d'Hertford, un britannique vivant à Paris, qui l'emporte. Par la suite, le marquis d'Hertford lègue sa collection d'art à son fils illégitime, sir Richard Wallace, et c'est ainsi que le tableau intègre la Wallace Collection de Londres où il est présenté au public depuis 1900. 

En 2021, une restauration importante fut décidée à cause des couches successives de vernis jaunis. Le petit chien qui aboie frénétiquement, qui avait totalement disparu, s'est remis à aboyer.

Et c'est ainsi, qu'un baron français voulant honorer sa jeune maîtresse et qu'un jeune peintre talentueux ont donné naissance à une œuvre considérée de nos jours comme l'un des plus célèbres trésors de l'Angleterre.

La récureuse.

 

Huile sur toile du français Jean Siméon Chardin, datée de 1738 et intitulée "La Récureuse". Ce tableau était accompagné d'un autre (Le Garçon cabaretier) pour former une paire comme c'était souvent le cas à l'époque. Il est conservé à la National Gallery of Art à Washington D.C. USA. Une autre version, l'original en fait, de format plus petit, réalisée par Chardin est conservée au Hunterian Museum and Art Gallery à Glasgow en Ecosse.

Une servante, vêtue d'un tablier blanc et d'une coiffe blanche nettoie une poêle à long manche dans un tonneau en bois. La jeune servante ne regarde pas ce qu'elle fait. Son regard se perd au loin alors que ses mains s'activent sur la poêle. Chardin insiste sur le contraste flagrant entre l'activité mécanique du travail et la rêverie intérieure.

Les sujets de Chardin tranchent avec les scènes mythologiques ou les scènes galantes de style Rococo des autres peintres de son époque. L'original, celui de Glasgow, a été exposé au Salon de 1738 à Paris. Il appartenait au marquis de Vandières, le frère de madame de Pompadour. Paradoxalement, ces tableaux étaient très recherchés par l'aristocratie pour la représentation de la vie simple et laborieuse qu'ils montraient. Louis XV et l'impératrice Catherine II de Russie se les arrachaient.

Cette toile incarne les vertus bourgeoises du travail honnête et de la modestie par opposition à la société libertine des aristocrates. Les tâches ménagères sont mises en valeur, le nettoyage des ustensiles ménagers et la blancheur des vêtements sont glorifiés comme un symbole de la pureté de l'âme. Le regard perdu dans ses songes de la servante indique qu'elle n'est pas écrasée par la charge de son travail mais qu'elle conserve sa liberté de penser comme le souhaitait Jean-Jacques Rousseau.

 Léda.

Peinture à l'huile de François boucher, réalisée en 1741-1742, intitulée "Léda  et le Cygne". Cette toile est conservée au Nationalmuseum de Stockholm en Suède.

Dans la mythologie grecque, Zeus prend l'apparence d'un cygne pour approcher Léda. Dans ce récit, il n'est nullement fait mention d'une autre femme présente. Mais Boucher a trouvé bon d'ajouter une nymphe ou une suivante, on ne sait pas, complètement nue, évidemment, afin de mieux plaire au public libertin de son époque. Et il ne se trompa pas car ce tableau, non prévu au Salon de 1742, fut intégré à la dernière minute sous le numéro 21 bis pour ne pas avoir à refaire la numérotation et appelé "Autre représentant une Léda". Le succès fut tel que l'image de Léda, dans cette pose, le bras levé et penchée, a inspiré des statuettes en biscuit de porcelaine à la manufacture de Lunéville. Dans cette interprétation de Boucher, Zeus, c'est à dire le cygne, est relégué au second plan et le regard est irrésistiblement attiré par les deux femmes.

Resituons l'histoire. Léda est une princesse d'Etolie d'une grande beauté, devenue reine de Sparte grâce à son mariage avec le roi Tyndare. Zeus, qui a un œil partout, la remarque alors qu'elle se promène le long du fleuve Eurotas. Il tombe sous son charme et décide de la séduire sur le champ. Mais comment faire?  L'eau du fleuve lui donne l'idée de se métamorphoser en cygne. Un cygne voguant sur l'eau d'une rivière, quoi de plus banal? Mais justement, c'est tellement banal, que la belle Léda n'y jettera à peine un simple coup d'œil. Alors qu'il réfléchissait à son stratagème, il aperçoit Vénus qui passait par là sans trop savoir à quoi s'occuper. Il lui explique la situation et lui demande de se transformer en aigle et de fondre sur lui pour simuler une attaque. Pour y échapper, Zeus cherchera protection dans les bras de la reine. Marché conclu. Il se précipite vers Léda, poursuivi par l'aigle. Léda, attendrie, protège la bête, chasse l'aigle, réchauffe le cygne contre elle et succombe émerveillée par le volatile. Evidemment, Zeus en profite et arrive à ses fins.

D'ordinaire, ceux qui racontent l'histoire s'arrêtent là. Sauf que justement, elle ne s'arrête pas là. Léda, voulant peut être brouiller les pistes, rentre chez elle et s'unit aussi avec son époux légitime, le roi Tyndare.

Le problème, c'est que ces deux unions consécutives, mirent la belle Léda dans une situation embarrassante qui devait se terminer par la naissance d'enfants des deux pères. D'abord, Léda, contrairement à la coutume, donna naissance à deux œufs, à cause de l'apparence que prit Zeus. Et de ces œufs naquirent deux enfants immortels Hélène et Pollux de l'un, issus de l'union avec Zeus et deux enfants mortels, Clytemnestre et Castor de l'autre, issus de l'union avec Tyndare. On espère que tout le monde suit.

Cette descendance est à l'origine des plus grands drames grecs puisque la beauté d'Hélène provoquera la guerre de Troie. Castor et Pollux, eux accomplirent de grands exploits en compagnie des Argonautes, mais Castor, qui est mortel, est tué un jour au combat. Pollux supplie Zeus de ne pas les séparer. Zeus, qui se sentait un peu coupable, accepte et les place dans le ciel dans la constellation des Gemeaux. Quant à Clytemnestre, elle épouse le roi Agamemnon, et l'assassine, ainsi que la princesse Cassandre, dès son retour de la guerre de Troie. Dit comme ça, on a le droit d'être surpris, mais il faut savoir qu'Agamemnon avait tué le premier mari de Clytemnestre, Tantale, et leur enfant et qu'il l'avait épousé ensuite. On était quitte.

Ce qui a énormément séduit les peintres et les sculpteurs, c'est la présence du cygne avec Léda. Les tableaux les représentant sont innombrables dont voici quelques exemples.

Tout d'abord, une mosaïque romaine représentant Léda et le cygne. Elle provient d'une demeure romaine située à Palaepaphos (actuelle Koubia, près du sanctuaire d'Aphrodite) à Chypre. Elle est datée de la fin du IIe siècle après J. C. Elle est conservée au Musée de Chypre à Nicosie.

Peinture sur bois considérée comme une copie du chef-d'œuvre perdu de Léonard de Vinci et réalisé par un de ses disciples daté des années 1510-1520. Ce tableau est conservé à la Galerie Borghèse à Rome en Italie.

Léda et le Cygne de Pierre-Paul Rubens, daté d'environ 1600. Cette huile sur panneau est conservée au Musée des Beaux-Arts de Houston aux USA.

Tableau réalisé par le peintre français Jean Baptiste Marie Pierre, qui fut Premier peintre de Louis XV, réalisé dans la seconde moitie du XVIIIe siècle. Il est conservé au Museu Nacional de Belas Artes de Rio de Janeiro au Brésil.

Tableau de l'italien Le Corrège, réalisé vers 1531-1532 conservé à la Gemälgalerie de Berlin. Ce tableau est assez complexe. A droite en bas, on voit le cygne se poser sur l'eau à côté de Léda. Au centre, c'est l'union célébré par Cupidon et des amours musiciens, puis une fois l'affaire faite, en haut à droite, on voit le cygne prendre son envol et Léda se rhabiller, l'air satisfaite.

Huile sur toile du XVIIIe siècle réalisée par le français Jean-François de Troy. Ce tableau est conservé au Musée d'Art et d'Histoire de Chaumont en France.

Fresque d'Eugène Delacroix datée de 1834. Delacroix a peint Léda et le Cygne lors d'un séjour à l'abbaye de Valmont en Seine-Maritime. Elle était destinée à orner un dessus de porte. Elle est conservée au Musée national Eugène-Delacroix à Paris.

 

Aquarelle et gouache sur papier vers 1882 du peintre français Gustave Moreau. Collection privée.

  

Huile sur toile de Paul Cézanne vers 1880. Ce tableau est conservé à la Fondation Barnes à Philadelphie aux USA.

Léda atomique, peint par Salvador Dali en 1949. Le tableau est conservé au Théâtre-Musée Dali de Figueres en Espagne. Dans ce tableau Léda est son épouse Gala, et Dali s'identifie lui-même en Cygne. Ce tableau fait partie de la période nucléaire de Dali et est inspirée par la physique quantique. L'analyse complète du tableau nous emporterait trop loin, sur des calculs géométriques, des proportions basées sur le nombre d'or et des considérations de mécanique quantique.

Gertrude.

 

Estampe de Gérard Vidal destinée à illustrer le conte en vers de Voltaire intitulé "Gertrude, ou l'Education d'une fille" datée de 1763.

L'image nous montre une femme qui, sur le pas de porte d'un pavillon, une nuit de pleine lune, surprend par la porte entrouverte, un couple enlacé.

Madame Gertrude mène une vie austère et pieuse et élève sa fille de dix-sept ans, nommée Isabelle, dans la plus grande vertu. En réalité, la vie de madame Gertrude n'est pas si austère que ça car elle entretient une liaison torride avec un jeune amant nommé André. Chaque nuit, André la rejoint dans ce pavillon relié secrètement à son boudoir. Sa fille, Isabelle, qui n'est au courant de rien, entend parfois une voix masculine assourdie dans l'oratoire de sa mère. Intriguée, elle décide d'en parler à sa mère. Madame Gertrude ne se démonte pas et lui dit qu'il s'agit certainement de saint André qui lui apparaît souvent la nuit alors qu'elle se trouve en prières, récitant des patenôtres. 

Apprendre qu'un saint apparaît la nuit à sa mère suite à ses prières, trouble Isabelle. Malgré son éducation rangée, elle a un peu de mal à croire cette histoire. N'y tenant plus, une nuit, par un beau clair de lune, elle traverse le jardin pour se rendre dans ce petit pavillon isolé. Elle s'approche de l'entrée. C'est ce moment précis que nous montre l'estampe. Et là, elle surprend sa mère dans les bras de son amant en train de l'embrasser. André est bien là, mais, de toute évidence, il n'a rien d'un petit saint.

Ne souhaitant pas créer le désordre, Isabelle décide de ne pas parler de sa découverte à sa mère. Cependant, cette scène entrevue la taraude et comme sa mère a toujours été pour elle un exemple, elle se décide, quelque temps plus tard, à accorder quelques faveurs à un jeune homme de sa connaissance, un prénommé Denis. 

Hélas! la jeune fille est novice et elle alors qu'elle se trouve en compagnie de Denis, elle se fait surprendre pas sa mère. Madame Gertrude s'offusque, s'indigne, et demande des comptes à sa fille. Ironiquement, Isabelle explique à sa mère, qu'en fait, elle prie saint Denis, qui lui apparaît de temps en temps. Madame Gertrude est démasquée. Elle abandonne les prétendues prières et introduit sa fille dans le monde. Notons toutefois, que prier saint Denis n'empèche pas de perdre la tête, bien au contraire.

On aura compris que Voltaire, dans ce conte satirique, fustige l'hypocrisie religieuse et la fausse pruderie de son temps. S'il nous reste toutefois une morale à tirer de cette histoire c'est que, mesdames, il est important de toujours savoir à quel saint vous vouer. 

Vue de l'intérieur.

Enluminure extraite du Roman de la Rose, écrit vers 1490 représentant Néron assistant à la dissection de sa mère, Agrippine la jeune.

On voit Néron, portant couronne et vêtements médiévaux de velours assister à la dissection de sa mère qu'il a fait assassiner. Selon Tacite, un astrologue avait prédit à Agrippine que son fils régnerait, mais qu'il l'assassinerait. Au moment où les soldats envoyées par Néron sont arrivés dans sa villa en 59 après J. C., elle leur aurait tendu le ventre en s'écriant: "Frappe ici!", sous entendu, frappe ce ventre qui a conçu un tel monstre. Au moyen âge, la légende prétendait que Néron voulait voir d'où il venait et qu'il avait demander qu'on lui ouvre le ventre pour mieux s'en rendre compte. En réalité, les historiens romains racontent que Néron est juste venu contempler le cadavre dénudé de sa mère et qui a commenté sa beauté. Il avait critiqué certaines parties du corps et apprécié d'autres en faisant des commentaires. Puis il avait demandé à boire. Ce qui est déjà peu banal.

Contrairement à une idée répandue, l'Eglise n'a jamais interdit les dissections à but médical. La pratique s'est même développée dans les universités tenues par l'Eglise dès le XIIIe siècle. La confusion provient de la bulle du pape Boniface VIII "Detestande feritatis" (De la détestable férocité) datée de 1299. Ce texte ne visait pas la médecine mais la pratique des croisés consistant à démembrer et à faire bouiller les cadavres des nobles morts au cours des croisades afin de rapporter leurs ossements plus facilement dans leurs fiefs.

Au moyen âge, les dissections, qui étaient publiques, faisaient intervenir trois personnages: le professeur (lector), assis sur une chaise en hauteur, lisait à voix haute les textes anciens de Gallien, un assistant (ostentor) désignait, au fil de la lecture, les organes à l'aide d'une baguette, et le barbier-chirurgien, considéré comme un simple artisan, maniait le couteau. Il n'existait aucun produit de conservation, c'est la raison pour laquelle les dissections avaient lieu uniquement en plein hiver pour freiner la décomposition. Une séance de dissection durait quatre jours en suivant un ordre précis: d'abord les organes les plus fragiles qui se gâtent le plus vite, puis le thorax, la tête et enfin les membres. On disséquait principalement les corps des criminels exécutés sans famille connue. Le but de ces dissections n'était pas de faire des découvertes mais juste de vérifier le bien fondé des récits de Gallien. A noté que Gallien avait surtout disséqué des porcs et des singes. Si par hasard, et c'est arrivé, on trouvait un organe qui différait de la description qu'en avait fait Gallien, on ne remettait pas en doute ses écrits, mais on en déduisait que depuis le temps où Gallien officiait, le corps humain avait dégénéré. Ce n'est qu'à partir du XVIe siècle que André Vésale osa contredire Gallien.

En clair, les auteurs ont exagéré la légende antique pour accentuer le côté bestial et la monstruosité de Néron, qui n'avait vraiment pas besoin de ça.

Voyage.

Affiche de 1892 intitulée "Chemin de fer d'Orléans: Paris à sceaux & Limours", réalisée par l'imprimerie Champenois pour promouvoir le tourisme dominical. Cette affiche est conservée à la BNF ainsi qu'aux Archives départementales des Hauts-de-Seine.

L'imprimerie Champenois était située 66 boulevard Saint-Michel à Paris. En 1892, Ferdinand Champenois deviendra célèbre dans le monde entier en signant un contrat d'exclusivité avec le peintre tchèque Alphonse Mucha, le créateur de l'Art nouveau dans le monde publicitaire.

En 1867, la Compagnie du Paris-Orléans rachète la ligne de Sceaux inaugurée en 1846. La voix est ensuite prolongée jusqu'à Orsay puis Limours. Elle correspondait à l'actuel tracé sud du RER B.

L'affiche montre un restaurant perché dans un arbre et deux médaillons. L'un des médaillons, en haut au centre, présente la tour de Chevreuse (Château de la Madeleine), l'autre, en bas à gauche un paysages des Vaux de Cernay. L'arrière plan montre, en perspective, le clocher de Sceaux et les villes d'Antony, Massy et Palaiseau.

L'intérêt de cette image est de nous montrer ce restaurant haut perché. En 1848, un restaurateur parisien, Joseph Gueusquin, aménage, au Plessis-Piquet (aujourd'hui Le Plessis-Robinson), des cabanes en bois dans les branches d'un châtaigner immense de la rue de Malabry. On y monte par des escaliers. Afin de faire en sorte que les serveurs n'aient pas à monter et descendre sans arrêt ces escaliers, les commandes sont hissées dans des paniers à l'aide de cordes et de poulies, comme on le voit sur l'affiche. Il baptise son établissement "Au Grand Robinson" en référence aux romans très populaires à l'époque "Robinson Crusoé" et "Le Robinson Suisse". Un grand nombre d'établissements concurrents ouvrent le long de la rue de Malabry, dans d'autres châtaigniers, comme l'Ermitage, le Pavillon bleu ou l'Arbre des Roches. La concurrence est féroce, à tel point, que la famille Gueusquin rebaptise son restaurant en 1888, "Au vrai Arbre de Robinson" pour revendiquer l'antériorité. Ces restaurants ont attiré des milliers de parisiens pendant plus d'un siècle. Ils mélangeaient toutes les classes sociales; on y trouvait des ouvriers venus danser le dimanche mais aussi des gens célèbres comme Honoré de Balzac, Alfred de Musset ou Emile Zola. Le futur Napoléon III, le Tsar de Russie, Maurice Utrillo furent aussi des clients de ces restaurants perchés.

La renommée de ces restaurants-guinguettes est telle qu'en 1909, la commune du Plessis-Piquet change de nom pour devenir Plessis-Robinson.

Après la deuxième guerre mondiale, l'essor de l'automobile et l'urbanisation provoquent le déclin des guinguettes. Les châtaigniers sont coupés et les établissements ferment les uns après les autres. 

Le dernier restaurant perché ferme en 1970, mais cette affiche témoigne de ce genre de construction originale qui a attiré tant de parisiens.
 

Comme le monde est petit!

 

Toile de l'italien Agnolo di Cosimo, dit Bronzino, de 1552, intitulée "Doppio ritratto del Nano Morgante" (Portrait du nain Nano Morgante). Ce double tableau est conservé au Palais Pitti à Florence, en Italie.

A l'époque, un débat faisait rage entre les partisans de la sculpture et ceux de la peinture. Les premiers prétendaient que la sculpture était supérieure à la peinture car elle exposait un sujet sur tous les angles. Bronzino, en peignant ce double portrait sur les deux côtés d'une toile a tenté de répondre à cette critique. Il s'agit d'une véritable prouesse technique, car la toile étant peinte des deux côtés, il ne fallait pas que les pigments traversent la toile. Au Palais Pitti, la double toile est protégée par une vitrine en verre qui permet aux visiteurs de faire le tour pour admirer les deux faces, comme s'il s'agissait d'une statue.

Braccio di Bartolo surnommé par dérision Nano Morgante, en référence au géant Morgante du poème de Luigi Pulci, tenait un rôle important à la cour du grand-duc Cosme 1er de Médicis. Il était à la fois le bouffon, le conseiller et le confident du duc.

Posséder des personnes présentant des particularités physiques était un signe de richesse et de pouvoir. Certains souverains, en Europe, ont même organisé des mariages de nains afin de produire d'autres nains de cour. 

Il existe dans le jardin de Boboli à Florence, une fontaine surmonté d'une statue de marbre blanc, représentant Nano Morgante nu chevauchant une statue réalisée par Valerio Cioli, appelée la fontaine du petit Bacchus. La tortue était le symbole fétiche de Cosme 1er, sa devise étant "Festina lente" (hâte-toi lentement). Pour ceux qui seraient tenté d'aller admirer Nano, il faut savoir que de nos jours, il s'agit d'une copie fidèle, l'originale étant conservée dans des bâtiments du domaine afin de la protéger des intempéries.

Pour en revenir au tableau, au XIXe siècle, on réalisa que la nudité du modèle était indécente et inacceptable. On fit alors ce qui était habituel de faire sans détruire la toile: ajouter des détails. On décida de transformer Nano en Bacchus. Et c'est ainsi qu'il reçut une couronne de feuilles de vignes sur la tête, son bas ventre fut recouvert d'une épaisse guirlande de grappes de raisin et jusqu'au hibou qui faisait désordre après ces transformations, qui fut remplacé par un gobelet de vin. 

Deux siècles plus tard, en 2010, une restauration minutieuse permit de retirer ces couches de peintures puritaines et de remettre à jour les papillons d'origine qui cachaient son sexe. Pourquoi Bronzino s'est-il évertué à peindre des papillons plutôt qu'autre chose? D'abord, le papillon évoque la métamorphose; vu l'endroit on n'insistera pas. Et puis, en italien, papillon se dit farfalla. Or farfalla ou farfallino est aussi le qualificatif ironique d'une personne volage, qui se disperse, qui papillonne comme on dit en français. Et c'est la raison pour laquelle, en restaurant le tableau, on est tombé sur des lépidoptères posés sur cet endroit incongru.

On ne joue plus.

 

Gravure du français Martin van Maële de 1905 intitulée "Donne-moi mes six sous, je ne joue plus".

Derrière le nom de Martin van Maële se cache un artiste français de son vrai nom Maurice, François, Alfred Martin. Né en 1863 à Boulogne-Billancourt, Maurice Martin est le fils d'un sculpteur, graveur et enseignant, Louis Alfred Martin  et de Virginie Mathilde Jeanne van Maële. Son pseudonyme est composé du nom de sa mère et de celui de son père.

Maurice Martin est un illustrateur célèbre de la Belle Epoque. Il a illustré par exemple "Les Aventures de Sherlock Holmes" d'Arthur Conan Doyle ou "Les premiers homme dans la lune" de H. G. Wells, mais aussi des ouvrages d'Anatole France ou de Théophile Gautier.

Mais, sous le pseudonyme de Martin van Maële, en collaboration avec l'éditeur anglais alors installé à Paris, Charles Carrington, il œuvre dans la clandestinité érotique en illustrant des textes de Verlaine ou de Pierre Louÿs.

En France, au début du XXe siècle, Paris est la capitale de tous les plaisirs mais pour la grande majorité des français l'appareil d'Etat impose des lois très strictes contre les "outrages aux bonnes mœurs". Martin van Maële, n'était pas vendu dans les librairies mais distribué à une clientèle restreinte d'amateur. Si Martin van Maële a bénéficié d'une ascension rapide dans la littérature érotique, c'est grâce à Charles Carrington, spécialisé dans la littérature sadomasochiste. Carrington finira par être expulsé de France en 1907 en raison du durcissement des lois.

On voit sous la légende du dessin, l'inscription Mlle J. P. On ne sait pas si cette demoiselle existait vraiment car Martin van Maële avait l'habitude de dédicacer ses dessins à des personnages fictifs ou pas, afin d'augmenter le parfum de scandale et de faire fantasmer ses clients.

Certains prétendent que la jeune femme de la gravure dissimule un fouet sous sa robe. S'il existe, il est bien caché. Mais il est certain qu'il s'agit d'une scène de domination sans d'ailleurs savoir qui domine qui. Le plus probable est que ce soit la jeune femme qui joue à une séance de punition très populaire à l'époque dans cette littérature clandestine. La jeune femme réclame sa rémunération, en disant que c'est terminé, qu'elle ne joue plus. On peut s'en convaincre en regardant son bras droit et surtout sa main où Martin van Maële a gravé des gouttes s'en échappant sans que le liquide soit clairement identifié.

Ces détails scabreux faisaient la joie des collectionneurs de l'époque et provoquaient la fureur des censeurs. On pourrait penser que Martin van Maële était lui-même un adepte de ces pratiques. Il n'en est rien. Marié, il menait une existence discrète et rangée à Varennes-Jarcy: c'était une sorte de docteur Jekyll et de mister Hyde de l'illustration.

Fabrication.

 

Enluminure de 1462, intitulé "Noblesse de la création de l'âme humaine par nature et de sa dignité et puissance".

Le manuscrit d'où elle est tirée a été réalisé à Bruges en Belgique pour le duc de Bourgogne, Philippe le Bon. Il était constitué de deux volumes, le premier a disparu mais le second est conservé à la Médiathèque Simone Veil de Valenciennes en France. Les miniatures sont attribuées à Willem Vrelant, un enlumineur flamand, et la calligraphie à David Aubert, le scribe de la cour de Bourgogne.

On voit un couple dans un lit, nus. La femme porte une coiffe  et l'homme est coiffé d'un bonnet, comme il était d'usage à cette époque. Alors qu'ils  se remettaient après avoir commis l'acte de chair, tous les deux, regardent avec stupéfaction un enfant qui arrive dans leur lit par les airs. 

Cette image représente, en fait, une tentative de fusion de la théologie chrétienne et de la biologie d'Aristote. Au moment de la conception de l'enfant Dieu insuffle l'âme humaine dans un enfant qui, grâce à la lumière divine va pénétrer le corps de la mère. Il faut reconnaître que cette intervention divine a de quoi surprendre.

Cependant, il convient aussi de dénoncer ceux qui prétendent, sur internet, qu'en fait, le couple recevait une commande effectuée sur un site en ligne, livrée à domicile. Et aussi ceux qui pensent que le mari, ébahi, demandait à sa femme; "Je croyais que tu prenais la pilule!"

Plomb dans l'aile.

 

Panneau décoratif pour dessus de porte réalisé par Jean-Honoré Fragonard vers 1770 intitulé "Vénus liant les ailes de l'Amour". Cette œuvre se trouve aujourd'hui dans une collection privée.

On peut qualifier ce panneau de tableau baladeur. Il a d'abord fait partie de la collection privée de la baronne Béatrice de Rothschild, devenue madame Ephrussi par son mariage. C'était une grande collectionneuse d'œuvres du XVIIIe siècle. Après être restée dans une collection française, elle réapparaît sur le marché de l'Art en 1969. Le tableau est acquis cette année-là, par la fondation Norton Simon Foundation de Los Angeles. Cette fondation possède l'un des plus importantes collections d'Art privées du monde. Puis, en avril 1980, il fait partie d'une vente anonyme par Sotheby's Londres, tandis qu'en 1982, il revient chez Sotheby's pour être vendu aux enchères et partir dans une collection privée au Japon. En 1999, il est de nouveau mis aux enchères avec une estimation totalement sous estimée de 20000 à 30000 $. Un acheteur au téléphone, flairant la bonne affaire, l'emporte pour 332500 $. Il est finalement racheté par un collectionneur privé dernièrement à Paris.

Le tableau montre Vénus en train de lier les ailes de son fils Cupidon. Vénus fait preuve d'une grande tendresse. Lier sans violence les ailes d'Amour, c'est imposer la fidélité forcée, arrêter le temps pour prolonger le plaisir amoureux. Cupidon est un être volage. Il passe d'un cœur à l'autre, il provoque des passions soudaines, ses victimes ressentent comme un déclic, une soudaine libération. Vénus, en utilisant un ruban pour lui rogner les ailes, dompte ses passions sauvages.

Ce thème était fort apprécié au XVIIIe siècle. C'était une façon galante de signifier son engagement amoureux. L'Amour renonce à sa liberté pour permettre aux couples qu'il a unis de durer.

Une dernière question se pose. Qu'est-ce donc que cette boule rouge située au premier plan? Certains pensent qu'il s'agit d'un jouet d'enfant, explication peu convaincante. D'autres évoquent la fameuse pomme de Discorde offert à Vénus après le jugement de Pâris. On ne voit aucune inscription, ce qui nous aurait permis de trancher, puisque Eris, la déesse de la Discorde avait écrit dessus: "A la plus belle", ce qui avait déclenché une sérieuse pagaille dans l'Olympe et la guerre de Troie. Le débat reste ouvert.

Lancelot.

 

Cette enluminure provient du manuscrit français intitulé "Le livre de Lancelot du Lac" daté d'environ 1401-1425. Ce livre est conservé à la Bibliothèque de l'Arsenal à Paris.

Dans les récits du cycle arthurien, Lancelot est réputé pour sa beauté et sa bravoure. De nombreuses femmes, qu'elles soient châtelaine ou magiciennes, sont émerveillées en le voyant et tentent de le séduire. Mais Lancelot, conformément aux règles du fin'amor reste fidèle à la reine Guenièvre.

Morgane, la demi-sœur du roi Arthur, ennemie jurée de la reine Guenièvre, passe son temps à tenter de piéger Lancelot afin de révéler à tous sa passion pour la reine.

Nous assistons dans cette scène à un des stratagèmes de la magicienne Morgane. Elle demande à une jeune femme, dont le nom reste inconnu, de se glisser nue dans le lit d'Arthur et de tout mettre en œuvre pour le faire plier. La nuit venue, Lancelot, se déshabille pour se coucher et se dirige vers son lit. C'est là qu'il découvre qu'il n'est pas seul, qu'une femme s'offre à lui, mais son amour pour Guenièvre est le plus fort. Il résiste et préfère s'enfuir en sous-vêtements, malgré le fait que l'inconnue s'agrippe à sa liquette.

L'enlumineur a sacrifié la réalité de l'époque aux injonctions de l'Eglise. Au moyen âge, les gens dormaient entièrement nus sans intention érotique: c'était la règle. Ici, Lancelot se met au lit en conservant sa chemise et ses braies. Ce choix, bizarre pour l'époque, indique symboliquement que Lancelot refuse les avances de la dame et qu'il conserve sa pudeur.

Cette scène fait penser à la réaction de Joseph face à la femme de Putiphar qui le retient par un pan de chemise dans la Bible.

L'affaire s'arrête là. Mais, par la suite, Lancelot sera berné à l'aide d'un philtre magique qui fera apparaître Elaine de Corberic sous les traits de Guenièvre. Il consommera et de cette union incertaine naîtra Galaad qui accomplira la quête du Saint Graal. Mais ceci est une autre histoire.

Cymon et Iphigénie.

 

Gravure anglaise tiré d'un conte de Décaméron de Boccace (Jour 5, Nouvelle 1), rendue célèbre par le poète John Dryden, datant de 1783 et intitulée "Cymon and Iphigenia".

Les vers imprimés sous la gravure sont issus du poème de Dryden:

"He trudg'd along unknowing what he sought, 

And whistled as he went for want of thought."

(Il marchait péniblement, sans savoir ce qu'il cherchait,

 et sifflait en marchant par manque de réflexion.)

vient ensuite la mention de l'éditeur: "Printed for & sold by Carington Bowles" "N° 69 in St. Paul's Church Yard, London".

Intéressons-nous au dénommé Cymon.

A Chypre, Aristippe, un homme fortuné et noble a un fils, Cymon. Cymon est un colosse au physique impressionnant, mais, hélas!, sa bêtise et sa grossièreté le sont tout autant. Il se montre incapable d'étudier les lettres, d'apprendre les bonnes manières et la politesse. En bref, c'est le rustaud parfait.

Il fait honte à son père qui, pour le soustraire à sa vue, l'envoie vivre à la campagne au milieu des paysans et des esclaves. Ceux-ci, qui en ont pourtant vu d'autres, le surnomment Cymon ce qui signifie localement "gros mouton" ou "brute" au choix.

Un bel après-midi du mois de mai, Cymon, désœuvré, part se promener dans les bois un peu au hasard et arrive dans une clairière. Et là, il découvre une ravissante jeune fille, endormie sur l'herbe avec ses servantes, au bord d'une source d'eau fraîche, vêtue d'une robe légère laissant deviner ses formes. Il apprendra plus tard que la jeune fille se nomme Iphigénie. C'est la découverte d'Iphigénie endormie par Cymon que montre la gravure. 

En fait de vêtement léger laissant apercevoir ses formes, on est un peu déçu. La jeune fille est habillée à la mode géorgienne de l'Angleterre.

Cymon s'est arrêté et s'appuie sur son bâton de marche. il la contemple longuement et soudain il ressent un choc au fond de lui-même. Une étincelle  de conscience nait dans son cerveau rustique: il contemple la plus belle chose  qu'il n'a jamais eu l'occasion de voir! En un mot, il est émerveillé. Cette beauté fait naître en lui l'amour, et cet amour le transforme entièrement. Iphigénie finit par se réveiller et découvrant l'acabit, elle prend peur. Mais Cymon se montre étonnamment doux et prévenant. Il insiste pour la raccompagner jusqu'à chez elle.

Voilà notre gaillard en proie aux plus grands troubles. Il retourne en ville, retrouve son père, et il lui annonce qu'il ne retournera pas vivre à la campagne. Pendant quatre ans, il apprend à lire, à écrire et même à philosopher. Il apprend les arts de la chevalerie, du combat, mais aussi de la musique. Sa voix s'adoucit et il finit par devenir un des hommes les plus raffinés de l'île. 

Ayant fait sa mue, fin prêt, il décide de retrouver Iphigénie. Et là il découvre un détail qui ne lui avait pas effleuré l'esprit, Iphigénie est promise à un noble de l'île de Rhodes, un dénommé Pasimondas. Et Iphigénie est en partance pour Rhodes.

Qu'à cela ne tienne, il arme un navire de guerre, attaque le bateau qui transporte Iphigénie et enlève celle qu'il aime. Il savourait à peine sa victoire, qu'une énorme tempête survient, drosse le navire de Cymon et le fait échouer sur les côtes de Rhodes. Evidemment, il est capturé et jeté en prison. Là, il fait connaissance d'un nomme Lysimaque dont la bien aimée a été enlevée par le frère de Pasimondas. Ils font équipe, et s'évadent. Juste à temps, ils s'arment et interrompent le banquet de mariage, au passage ils massacrent Pasimondas et son frère, et récupèrent l'un Iphigénie,  l'autre son amante.

Cymon et Iphigénie s'enfuient en Crète le temps que la colère s'apaise à Rhodes, puis rentrent enfin à Chypre. Cymon épouse Iphigénie et ils filent le parfait amour jusqu'à le fin de leur vie.

Boccace nous explique que l'amour peut transformer les hommes (et même les femmes) en mettant au grand jour leurs qualités réelles.

De nos jours, on ne se rend pas compte du retentissement que ce conte a apporté en Angleterre. Ce fut un véritable phénomène culturel qui contribua à l'émergence du concept du "gentleman" anglais avec ses deux piliers principaux: "politeness"  et "refinement" (politesse et raffinement). 

La scène dans les bois est devenu un thème privilégié pour grand nombre de peintres à travers les âges. D'autant plus qu'il permettait de peindre des nus féminins.

Voici quelques exemples de cette scène où Cymon découvre Iphigénie endormie, mais il en existe bien d'autres.

Version  de John Everett Millais qu'il a peint à 18 ans. Cette huile sur toile est conservée à la Lady Lever Art Gallery à Merseyside au Royaume-Uni.

Huile sur toile de l'anglais Frederic Leighton en 1884. Le tableau est conservé à l'Art Gallery of New South Wales à Sydney en Australie.

 

Voici la version du maître flamand Rubens datant de 1617 et conservée au Kunsthistorisches Museum de Vienne, en Autriche.

 

Cymon et Iphigénie peints par le hollandais Willem van Mieris vers 1698. Tableau conservé au Musée Poldi Pezzoli à Milan en Italie.

Version de l'anglo-américain Benjamin West datant de 1766. Huile sur panneau conservée au Yale Center for British Art, New Haven, Connecticut, USA.

Autre version de Benjamin West datée de 1773, conservée au Los Angeles County Museum of Art, California, USA.

Huile sur toile signée de l'autrichienne Angelica Kauffmann réalisée vers 1780 et conservée au Gibbes Museum of Art à Charleston, USA.

Version du néerlandais Daniel Vertangen vers 1630, conservée au Centraal Museum d'Utrecht.

Cymon et Iphigénie du néerlandais Jan van Noordt, non daté (entre 1644 et 1676), conservé au Musée d'Art Thomas-Henry de Cherbourg.