Toilette de la mariée.

 

Gravure du XIXe siècle, parue dans la revue "Le Magasin Pittoresque" en illustration de la nouvelle "Le mariage d'Annaïc", en 1881, intitulée "La Toilette de la mariée".

La gravure reproduit un tableau du peintre américain Henry Mosler spécialisé dans les scènes de genre bretonnes. Cette gravure ne montre qu'une partie du tableau de Mosler, les deux extrémités ayant été coupées à cause des contraintes de mise en page du magazine. 

Henry Mosler a été formé en Europe et s'est installé par la suite en Bretagne dans la région de Pont-Aven à la fin des années 1870. Ses scènes de mariages bretons ont connu un immense succès aux USA. Au salon de Paris de 1879, il est devenu le premier peintre américain dont une toile (Le Retour) a été achetée par l'Etat français pour le musée du Luxembourg.

La future mariée se tient droite, le regard songeur. Elle porte la coiffe blanche traditionnelle, un châle sur les épaules, une robe foncée à manches longues et un tablier clair. Agenouillé, le tailleur porte un gilet clair, un pantalon bouffant (bragou-braz) et des sabots de bois. Il prend les mesures de la jeune fille à l'aide d'un mètre-ruban. Contrairement à l'image classique de la couturière, à cette époque, en Bretagne, les tailleurs étaient presque exclusivement des hommes, peut être à cause du poids important des costumes en draps de laine.

Debout, à droite, le fiancé observe la scène, en bourrant sa pipe. Il porte un grand chapeau rond, comme il se doit si on en croit la chanson, une veste courte et un pantalon bouffant serré aux genoux. Il est chaussé de sabots.

La marchande se tient derrière son comptoir, vantant la marchandise, marchandises qui débordent des étagères.

Nul ne doute qu'Annaïc sera belle à ravir dans sa tenue nuptiale, cette tenue que le jeune marié n'aura qu'une hâte de retirer le moment venu.

Entrez dans la danse.

 

Huile sur toile du français Nicolas Poussin datant des années 1634-1636 et intitulé "La Danse de la vie humaine". Ce tableau fait partie de la Wallace Collection de Londres au Royaume Uni.

La Danse de la vie humaine a été commandée en 1634 par le prélat Giulio Rospigliosi qui deviendra en 1667 le pape Clément IX. Le tableau reste dans les collections de la famille du cardinal à Rome pendant plus d'un siècle et demi. En 1806, l'oncle de Napoléon Bonaparte, le cardinal Joseph Fesch l'acquiert et il rejoint la France. A la mort de Fesch, en 1845, la collection est dispersée et vendue. Richard Seymour-Conway, quatrième marquis d'Hertford se porte acquéreur et en fait don, par la suite à son fils, sir Richard Wallace. De nos jours, il est exposé à la Wallace Collection de Londres.

Dans ce tableau, chaque personnage joue un rôle bien précis. 

Au centre du tableau se trouvent quatre danseurs. Ils effectuent une ronde mais en tournant le dos contrairement à une ronde traditionnelle. Les connaisseurs prétendent qu'il est quasi impossible de danser ainsi, mais passons. L'important c'est le symbolisme sous-jacent à cette ronde.

A droite, la femme vêtue d'une robe orange, coiffée d'un turban, pieds nus, incarne le dénuement, la pauvreté. Elle incarne l'hiver. Au centre, une autre femme, à l'épaule dégagée, les cheveux tressés, portant des sandales dorées symbolise l'effort nécessaire pour s'élever dans la société. Elle relie la pauvreté à la richesse. Elle représente l'été. La richesse, justement se trouve à gauche vêtue d'une étoffe bleue et porteuse de sandales dorées. Elle symbolise la prospérité acquise par le travail. Elle représente le printemps. Enfin le quatrième danseur est un homme, couronné de feuilles de laurier. Lui donne une main à la richesse et l'autre à la pauvreté. Il sert de passerelle car il représente l'oisiveté et la luxure, nous montrant que l'abus de plaisirs conduit à la ruine. Il représente l'automne.

On voit, à droite, un vieillard ailé qui joue de la lyre. C'est lui qui rythme la ronde, qui donne le tempo, qui oblige les humains à danser. Il s'agit du dieu Chronos, le dieu implacable du temps. Un angelot, assis à ses pieds, tient un sablier et regarde le sable s'écouler afin de rappeler à l'homme que chaque instant qui passe le rapproche de sa fin.

A gauche, on voit une statue au double visage, l'un vieux et l'autre jeune. Le visage vieux regarde vers le passé, le visage jeune regarde vers l'avenir. C'est le dieu Janus, le dieu des portes. Il assure la continuité de l'humanité. Au pied de la statue, un autre angelot souffle des bulles de savon. Il nous rappelle que la vie humaine ressemble à une de ces bulles, fragile et éphémère.

En haut, on voit Apollon sur son char, le dieu du Soleil, tenant le cerceau du zodiaque et accompagné derrière lui par les Heures qui dansent autour du char. Devant lui, montrant le chemin, se tient la déesse du matin, Aurore, annonçant le renouveau quotidien en semant des fleurs sur la terre.

Lors d'une restauration, en 1975,  le retrait des couches successives de vernis ont laissé apparaître de nombreuses empreintes digitales. Il s'agit des empreintes des doigts de Nicolas Poussin. Il se servait de ses doigts pour presser la peinture fraîche afin d'atténuer les transitions de couleurs et estomper les coups de pinceaux.

La fuite du temps, la fortune ou la ruine, tout cela n'est pas très réjouissant Et pourtant Poussin a influencé d'autres peintres célèbres comme David ou Ingres ou encore Cézanne et Matisse.

Matisse n'a conservé que la ronde et banni les chérubins et les dieux dans son tableau "La Danse" datant de 1910 et aujourd'hui conservé au Musée de l'Ermitage à Saint-Pétersbourg en Russie.

Il a même retiré les vêtements des danseurs. Mais, grâce à tout ce ménage, soudain, la ronde devient le signe de la vitalité et de la joie. Ce qui nous donne l'occasion de terminer sur une note optimiste.

L'escarpolette.

Tableau rococo peint par Jean Honoré Fragonard vers 1767-1768 et intitulé "Les Hasards heureux de l'escarpolette". Cette huile sur toile est considérée comme un des chefs-d'œuvre du XVIIIe siècle français. Elle est conservée à la Wallace Collection de Londres.

Une femme, vêtue d'une impressionnante robe rose à volants se balance dans les airs sur une escarpolette, poussée par son mari. 

Le mouvement de la balançoire est suffisamment important pour qu'elle perde une de ses mules dans l'aventure. Perdre sa chaussure symbolise la perte des conventions sociales et de la pudeur. La jeune femme, à chaque passage s'offre à son amant. 

Le mari, tout à l'attention de son nouveau métier, ne se doute pas que justement, l'amant de la dame est allongé dans les buissons et qu'il profite à chacun de ses passages d'une vue privilégiée de ses jambes ou peut être plus, sous ses jupons. La jeune femme, elle, oscille entre son amant et son mari, ce qui révèle l'inconstance de ses sentiments et le vertige du désir.

L'amant, qui voit constamment passer devant lui l'objet de son désir, tend son tricorne vers lui, le saluant au passage.

En bas, à droite, un chien aboie au passage de la balançoire comme s'il redoutait l'issue de ce libertinage. Mais la statue de Cupidon, à gauche, lui intime de se taire, en posant son doigt sur sa bouche.

Au centre, presque sous la dame, deux angelots sculptés, chevauchent un dauphin. Eux aussi, tout comme l'amant ont le regard tourné vers le haut symbolisant la passion amoureuse.

Pour couronner le tout, les buissons de rose et la végétation luxuriante évoquent les plaisirs sexuels, tandis qu'un rayon de soleil éclaire la jeune femme et son amant, oubliant le mari trompé dans l'ombre de la végétation.

On peut dire que Fragonard n'a rien oublié dans cette composition.

Mais comment un tel tableau a-t-il pu voir le jour? Le dramaturge Charles Collé, dans son journal, en octobre 1767 nous en explique la génèse.

Un riche noble français, le baron Saint-Julien, receveur général du clergé invite un jour le peintre Gabriel François Doyen à le rejoindre dans sa "maison de plaisir" en compagnie de sa jeune maîtresse. Il la présente à Doyen et lui demande de peindre une scène où sa maîtresse se balancerait sur une escarpolette poussée par un évêque. Et il ajoute: "Vous me placerez de façon, moi, que je sois à portée de voir les jambes de cette belle enfant, et mieux même si vous voulez égayer davantage votre tableau". 

Le thème de ce tableau a donc été imposé par le baron Saint-Julien. Seulement, il faut savoir que Gabriel François Doyen était surtout célèbre pour ses grandes peintures religieuses, comme par exemple le "Miracle des Ardents". Voilà qui l'éloignait sérieusement de son thème de prédilection. Il en éprouva même un haut-le-cœur, profondément choqué par la vulgarité de la demande et de son caractère blasphématoire. Mêler un évêque à cette turlupinade, lui donnait des sueurs froides. Il refusa donc tout net la commande, mais devant l'air déconfit du baron, il lui recommanda un jeune peintre prometteur susceptible d'accepter la chose. Ce jeune peintre, c'était Fragonard.

Fragonard rencontre le baron Saint-Julien qui lui expose son projet. Il accepte avec enthousiasme. Cependant, il devait songer à protéger sa carrière et éviter de subir les foudres de l'Eglise et la censure royale. Il explique alors qu'un évêque n'apportait rien d'intéressant dans la scène, que l'important c'était la balançoire, la petite maîtresse, juchée dessus, montrant ses jambes et le baron couché dans les rosiers les admirant. Il proposa alors un homme laïc, âgé, un mari quoi! tapi dans l'ombre. Un mari cocu amuse toujours le public puisque ça n'arrive qu'aux autres. 

Evidemment, le tableau était destiné à être exposé seulement dans un cabinet de curiosités libertin mais le sort en décida autrement.

En effet, plus tard, la petite maîtresse oubliée, le baron de Saint-Julien vendit cette toile au fermier général Marie François Ménage de Pressigny. Vient la terreur révolutionnaire de 1793, et les deux protagonistes furent guillotinés en 1794. Le tableau horrifie les révolutionnaires qui le considère comme le symbole absolu de la frivolité et de la décadence de l'aristocratie. Il est saisi, devient bien national et disparaît on ne sait où pendant plusieurs dizaines d'années. Sans qu'on sache trop comment, il réapparaît sous le second Empire dans la collection privée du duc de Morny, le demi-frère de Napoléon III, grand amateur d'art. Le duc de Morny décède en 1865 et sa collection est dispersée par une vente aux enchères. "L'escarpolette" faisait partie de la vente et c'est le marquis d'Hertford, un britannique vivant à Paris, qui l'emporte. Par la suite, le marquis d'Hertford lègue sa collection d'art à son fils illégitime, sir Richard Wallace, et c'est ainsi que le tableau intègre la Wallace Collection de Londres où il est présenté au public depuis 1900. 

En 2021, une restauration importante fut décidée à cause des couches successives de vernis jaunis. Le petit chien qui aboie frénétiquement, qui avait totalement disparu, s'est remis à aboyer.

Et c'est ainsi, qu'un baron français voulant honorer sa jeune maîtresse et qu'un jeune peintre talentueux ont donné naissance à une œuvre considérée de nos jours comme l'un des plus célèbres trésors de l'Angleterre.

La récureuse.

 

Huile sur toile du français Jean Siméon Chardin, datée de 1738 et intitulée "La Récureuse". Ce tableau était accompagné d'un autre (Le Garçon cabaretier) pour former une paire comme c'était souvent le cas à l'époque. Il est conservé à la National Gallery of Art à Washington D.C. USA. Une autre version, l'original en fait, de format plus petit, réalisée par Chardin est conservée au Hunterian Museum and Art Gallery à Glasgow en Ecosse.

Une servante, vêtue d'un tablier blanc et d'une coiffe blanche nettoie une poêle à long manche dans un tonneau en bois. La jeune servante ne regarde pas ce qu'elle fait. Son regard se perd au loin alors que ses mains s'activent sur la poêle. Chardin insiste sur le contraste flagrant entre l'activité mécanique du travail et la rêverie intérieure.

Les sujets de Chardin tranchent avec les scènes mythologiques ou les scènes galantes de style Rococo des autres peintres de son époque. L'original, celui de Glasgow, a été exposé au Salon de 1738 à Paris. Il appartenait au marquis de Vandières, le frère de madame de Pompadour. Paradoxalement, ces tableaux étaient très recherchés par l'aristocratie pour la représentation de la vie simple et laborieuse qu'ils montraient. Louis XV et l'impératrice Catherine II de Russie se les arrachaient.

Cette toile incarne les vertus bourgeoises du travail honnête et de la modestie par opposition à la société libertine des aristocrates. Les tâches ménagères sont mises en valeur, le nettoyage des ustensiles ménagers et la blancheur des vêtements sont glorifiés comme un symbole de la pureté de l'âme. Le regard perdu dans ses songes de la servante indique qu'elle n'est pas écrasée par la charge de son travail mais qu'elle conserve sa liberté de penser comme le souhaitait Jean-Jacques Rousseau.

 Léda.

Peinture à l'huile de François boucher, réalisée en 1741-1742, intitulée "Léda  et le Cygne". Cette toile est conservée au Nationalmuseum de Stockholm en Suède.

Dans la mythologie grecque, Zeus prend l'apparence d'un cygne pour approcher Léda. Dans ce récit, il n'est nullement fait mention d'une autre femme présente. Mais Boucher a trouvé bon d'ajouter une nymphe ou une suivante, on ne sait pas, complètement nue, évidemment, afin de mieux plaire au public libertin de son époque. Et il ne se trompa pas car ce tableau, non prévu au Salon de 1742, fut intégré à la dernière minute sous le numéro 21 bis pour ne pas avoir à refaire la numérotation et appelé "Autre représentant une Léda". Le succès fut tel que l'image de Léda, dans cette pose, le bras levé et penchée, a inspiré des statuettes en biscuit de porcelaine à la manufacture de Lunéville. Dans cette interprétation de Boucher, Zeus, c'est à dire le cygne, est relégué au second plan et le regard est irrésistiblement attiré par les deux femmes.

Resituons l'histoire. Léda est une princesse d'Etolie d'une grande beauté, devenue reine de Sparte grâce à son mariage avec le roi Tyndare. Zeus, qui a un œil partout, la remarque alors qu'elle se promène le long du fleuve Eurotas. Il tombe sous son charme et décide de la séduire sur le champ. Mais comment faire?  L'eau du fleuve lui donne l'idée de se métamorphoser en cygne. Un cygne voguant sur l'eau d'une rivière, quoi de plus banal? Mais justement, c'est tellement banal, que la belle Léda n'y jettera à peine un simple coup d'œil. Alors qu'il réfléchissait à son stratagème, il aperçoit Vénus qui passait par là sans trop savoir à quoi s'occuper. Il lui explique la situation et lui demande de se transformer en aigle et de fondre sur lui pour simuler une attaque. Pour y échapper, Zeus cherchera protection dans les bras de la reine. Marché conclu. Il se précipite vers Léda, poursuivi par l'aigle. Léda, attendrie, protège la bête, chasse l'aigle, réchauffe le cygne contre elle et succombe émerveillée par le volatile. Evidemment, Zeus en profite et arrive à ses fins.

D'ordinaire, ceux qui racontent l'histoire s'arrêtent là. Sauf que justement, elle ne s'arrête pas là. Léda, voulant peut être brouiller les pistes, rentre chez elle et s'unit aussi avec son époux légitime, le roi Tyndare.

Le problème, c'est que ces deux unions consécutives, mirent la belle Léda dans une situation embarrassante qui devait se terminer par la naissance d'enfants des deux pères. D'abord, Léda, contrairement à la coutume, donna naissance à deux œufs, à cause de l'apparence que prit Zeus. Et de ces œufs naquirent deux enfants immortels Hélène et Pollux de l'un, issus de l'union avec Zeus et deux enfants mortels, Clytemnestre et Castor de l'autre, issus de l'union avec Tyndare. On espère que tout le monde suit.

Cette descendance est à l'origine des plus grands drames grecs puisque la beauté d'Hélène provoquera la guerre de Troie. Castor et Pollux, eux accomplirent de grands exploits en compagnie des Argonautes, mais Castor, qui est mortel, est tué un jour au combat. Pollux supplie Zeus de ne pas les séparer. Zeus, qui se sentait un peu coupable, accepte et les place dans le ciel dans la constellation des Gemeaux. Quant à Clytemnestre, elle épouse le roi Agamemnon, et l'assassine, ainsi que la princesse Cassandre, dès son retour de la guerre de Troie. Dit comme ça, on a le droit d'être surpris, mais il faut savoir qu'Agamemnon avait tué le premier mari de Clytemnestre, Tantale, et leur enfant et qu'il l'avait épousé ensuite. On était quitte.

Ce qui a énormément séduit les peintres et les sculpteurs, c'est la présence du cygne avec Léda. Les tableaux les représentant sont innombrables dont voici quelques exemples.

Tout d'abord, une mosaïque romaine représentant Léda et le cygne. Elle provient d'une demeure romaine située à Palaepaphos (actuelle Koubia, près du sanctuaire d'Aphrodite) à Chypre. Elle est datée de la fin du IIe siècle après J. C. Elle est conservée au Musée de Chypre à Nicosie.

Peinture sur bois considérée comme une copie du chef-d'œuvre perdu de Léonard de Vinci et réalisé par un de ses disciples daté des années 1510-1520. Ce tableau est conservé à la Galerie Borghèse à Rome en Italie.

Léda et le Cygne de Pierre-Paul Rubens, daté d'environ 1600. Cette huile sur panneau est conservée au Musée des Beaux-Arts de Houston aux USA.

Tableau réalisé par le peintre français Jean Baptiste Marie Pierre, qui fut Premier peintre de Louis XV, réalisé dans la seconde moitie du XVIIIe siècle. Il est conservé au Museu Nacional de Belas Artes de Rio de Janeiro au Brésil.

Tableau de l'italien Le Corrège, réalisé vers 1531-1532 conservé à la Gemälgalerie de Berlin. Ce tableau est assez complexe. A droite en bas, on voit le cygne se poser sur l'eau à côté de Léda. Au centre, c'est l'union célébré par Cupidon et des amours musiciens, puis une fois l'affaire faite, en haut à droite, on voit le cygne prendre son envol et Léda se rhabiller, l'air satisfaite.

Huile sur toile du XVIIIe siècle réalisée par le français Jean-François de Troy. Ce tableau est conservé au Musée d'Art et d'Histoire de Chaumont en France.

Fresque d'Eugène Delacroix datée de 1834. Delacroix a peint Léda et le Cygne lors d'un séjour à l'abbaye de Valmont en Seine-Maritime. Elle était destinée à orner un dessus de porte. Elle est conservée au Musée national Eugène-Delacroix à Paris.

 

Aquarelle et gouache sur papier vers 1882 du peintre français Gustave Moreau. Collection privée.

  

Huile sur toile de Paul Cézanne vers 1880. Ce tableau est conservé à la Fondation Barnes à Philadelphie aux USA.

Léda atomique, peint par Salvador Dali en 1949. Le tableau est conservé au Théâtre-Musée Dali de Figueres en Espagne. Dans ce tableau Léda est son épouse Gala, et Dali s'identifie lui-même en Cygne. Ce tableau fait partie de la période nucléaire de Dali et est inspirée par la physique quantique. L'analyse complète du tableau nous emporterait trop loin, sur des calculs géométriques, des proportions basées sur le nombre d'or et des considérations de mécanique quantique.

Gertrude.

 

Estampe de Gérard Vidal destinée à illustrer le conte en vers de Voltaire intitulé "Gertrude, ou l'Education d'une fille" datée de 1763.

L'image nous montre une femme qui, sur le pas de porte d'un pavillon, une nuit de pleine lune, surprend par la porte entrouverte, un couple enlacé.

Madame Gertrude mène une vie austère et pieuse et élève sa fille de dix-sept ans, nommée Isabelle, dans la plus grande vertu. En réalité, la vie de madame Gertrude n'est pas si austère que ça car elle entretient une liaison torride avec un jeune amant nommé André. Chaque nuit, André la rejoint dans ce pavillon relié secrètement à son boudoir. Sa fille, Isabelle, qui n'est au courant de rien, entend parfois une voix masculine assourdie dans l'oratoire de sa mère. Intriguée, elle décide d'en parler à sa mère. Madame Gertrude ne se démonte pas et lui dit qu'il s'agit certainement de saint André qui lui apparaît souvent la nuit alors qu'elle se trouve en prières, récitant des patenôtres. 

Apprendre qu'un saint apparaît la nuit à sa mère suite à ses prières, trouble Isabelle. Malgré son éducation rangée, elle a un peu de mal à croire cette histoire. N'y tenant plus, une nuit, par un beau clair de lune, elle traverse le jardin pour se rendre dans ce petit pavillon isolé. Elle s'approche de l'entrée. C'est ce moment précis que nous montre l'estampe. Et là, elle surprend sa mère dans les bras de son amant en train de l'embrasser. André est bien là, mais, de toute évidence, il n'a rien d'un petit saint.

Ne souhaitant pas créer le désordre, Isabelle décide de ne pas parler de sa découverte à sa mère. Cependant, cette scène entrevue la taraude et comme sa mère a toujours été pour elle un exemple, elle se décide, quelque temps plus tard, à accorder quelques faveurs à un jeune homme de sa connaissance, un prénommé Denis. 

Hélas! la jeune fille est novice et elle alors qu'elle se trouve en compagnie de Denis, elle se fait surprendre pas sa mère. Madame Gertrude s'offusque, s'indigne, et demande des comptes à sa fille. Ironiquement, Isabelle explique à sa mère, qu'en fait, elle prie saint Denis, qui lui apparaît de temps en temps. Madame Gertrude est démasquée. Elle abandonne les prétendues prières et introduit sa fille dans le monde. Notons toutefois, que prier saint Denis n'empèche pas de perdre la tête, bien au contraire.

On aura compris que Voltaire, dans ce conte satirique, fustige l'hypocrisie religieuse et la fausse pruderie de son temps. S'il nous reste toutefois une morale à tirer de cette histoire c'est que, mesdames, il est important de toujours savoir à quel saint vous vouer. 

Vue de l'intérieur.

Enluminure extraite du Roman de la Rose, écrit vers 1490 représentant Néron assistant à la dissection de sa mère, Agrippine la jeune.

On voit Néron, portant couronne et vêtements médiévaux de velours assister à la dissection de sa mère qu'il a fait assassiner. Selon Tacite, un astrologue avait prédit à Agrippine que son fils régnerait, mais qu'il l'assassinerait. Au moment où les soldats envoyées par Néron sont arrivés dans sa villa en 59 après J. C., elle leur aurait tendu le ventre en s'écriant: "Frappe ici!", sous entendu, frappe ce ventre qui a conçu un tel monstre. Au moyen âge, la légende prétendait que Néron voulait voir d'où il venait et qu'il avait demander qu'on lui ouvre le ventre pour mieux s'en rendre compte. En réalité, les historiens romains racontent que Néron est juste venu contempler le cadavre dénudé de sa mère et qui a commenté sa beauté. Il avait critiqué certaines parties du corps et apprécié d'autres en faisant des commentaires. Puis il avait demandé à boire. Ce qui est déjà peu banal.

Contrairement à une idée répandue, l'Eglise n'a jamais interdit les dissections à but médical. La pratique s'est même développée dans les universités tenues par l'Eglise dès le XIIIe siècle. La confusion provient de la bulle du pape Boniface VIII "Detestande feritatis" (De la détestable férocité) datée de 1299. Ce texte ne visait pas la médecine mais la pratique des croisés consistant à démembrer et à faire bouiller les cadavres des nobles morts au cours des croisades afin de rapporter leurs ossements plus facilement dans leurs fiefs.

Au moyen âge, les dissections, qui étaient publiques, faisaient intervenir trois personnages: le professeur (lector), assis sur une chaise en hauteur, lisait à voix haute les textes anciens de Gallien, un assistant (ostentor) désignait, au fil de la lecture, les organes à l'aide d'une baguette, et le barbier-chirurgien, considéré comme un simple artisan, maniait le couteau. Il n'existait aucun produit de conservation, c'est la raison pour laquelle les dissections avaient lieu uniquement en plein hiver pour freiner la décomposition. Une séance de dissection durait quatre jours en suivant un ordre précis: d'abord les organes les plus fragiles qui se gâtent le plus vite, puis le thorax, la tête et enfin les membres. On disséquait principalement les corps des criminels exécutés sans famille connue. Le but de ces dissections n'était pas de faire des découvertes mais juste de vérifier le bien fondé des récits de Gallien. A noté que Gallien avait surtout disséqué des porcs et des singes. Si par hasard, et c'est arrivé, on trouvait un organe qui différait de la description qu'en avait fait Gallien, on ne remettait pas en doute ses écrits, mais on en déduisait que depuis le temps où Gallien officiait, le corps humain avait dégénéré. Ce n'est qu'à partir du XVIe siècle que André Vésale osa contredire Gallien.

En clair, les auteurs ont exagéré la légende antique pour accentuer le côté bestial et la monstruosité de Néron, qui n'avait vraiment pas besoin de ça.