Renaud et Armide.

 

Tableau de François Boucher de 1734 intitulé "Renaud et Armide".

C'est ce tableau que François Boucher a présenté pour être définitivement admis à l'Académie royale de peinture et de sculpture. L'histoire est inspirée de "La Jérusalem délivrée" (Gerusalemme liberata) de l'écrivain italien Torquato Tasso (Le Tasse) publié en 1581. Elle représente la magicienne musulmane Armide et le chevalier Renaud dans son jardin enchanté.

Pour devenir membre de l'Académie royale, il fallait soumettre un "morceau de réception" dans une catégorie hiérarchisée. Les sujets mythologiques, historiques ou religieux étaient les mieux notés. Boucher était surtout très bon dans les scènes légères, érotiques. Il a, à dessein, choisi Le Tasse comme source d'inspiration pour tromper l'Académie, mais n'a pu s'empêcher de nous montrer les seins d'Armide. Il a été reçu triomphalement le 30 janvier 1734.

Le succès de ce tableau fut tel que Louis XV a ordonné à la Manufacture des Gobelins d'en faire une version tapisserie pour décorer une de ses résidences.

Le tableau de Boucher a vécu bien des aventures. En 1793 il est saisi comme bien national et envoyé au château de Versailles. En 1818 il est ramené à Paris et orne la "salle des huissiers" du ministère des Finances. Il est enfin "redécouvert" et regagne les réserves du Louvre, puis il est prêté pour décorer le château de Meudon, avant d'être envoyé au château de Fontainebleau en 1889. Enfin, au XXe siècle il rejoint Le Louvre où il est exposé de nos jours dans l'aile Denon.

Il est important de resituer cette scène dans son histoire.

Pendant la première croisade, la nièce du roi de Damas, Armide, une princesse très belle, musulmane et magicienne, est envoyée dans le camp des Chrétiens pour y semer la discorde et affaiblir leur force. Elle parvient à capturer quelques chevaliers mais le plus courageux, le plus preux Renaud (Rinaldo) réussit à les délivrer. Armide est furieuse et jure de se venger. Un jour que Renaud se trouve au bord d'un fleuve, elle utilise ses talents magiques pour l'endormir. Une fois le gaillard endormi, elle sort un poignard, bien décidée à le trucider. Elle s'approche, le regarde dormir et est émerveillée par sa beauté. Bouleversée, la haine qui l'habitait se transforme en amour passion.

Renonçant à l'aider à rejoindre ses ancêtres, elle l'enlève et le transporte dans les îles Fortunées qui ne sont autre que les îles Canaries. Au sommet d'une montagne isolée, elle crée un palais magique entouré de jardins enchantés. Dans ces lieux enchantés et enchanteurs, le printemps dure éternellement. C'est de là que vient l'expression "jardin d'Armide" pour qualifier un jardin voluptueux, qui invite à la paresse et aux plaisirs, bref, un lieu de délices.

Pour être tranquille et savourer sa proie à sa guise, elle jette un sort à Renaud et utilise un miroir pour qu'il oublie son passé, la croisade et sa foi. Le farouche guerrier devient un amant soumis en contemplant le reflet des yeux d'Armide, dans un miroir de cristal. Le "miroir d'Armide" est aussi devenu une expression, presqu'oubliée de nos jours, pour désigner un objet de séduction, d'illusion et de fascination.

C'est cette scène que Boucher à peint. On voit un angelot supporter sur son dos le lourd miroir.

Cependant, le camp chrétien réagit à la disparition de Renaud. Deux chevaliers, Charles et Ubalde sont envoyés pour le retrouver. Passons les détails et disons seulement qu'ils arrivent à déjouer les pièges qu'a laissé Armide grâce à un sceptre d'or et un bouclier de cristal. Ils s'introduisent dans le château. Et si certains en doutent, il suffit de regarder, à droite du tableau, derrière les colonnes massives et les drapés verts on aperçoit deux visages casqués: ce sont nos deux compères.

Grâce au bouclier de cristal, ils présentent à Renaud son image efféminée et son allure avachie. Le charme est rompu. Renaud sent la honte l'envahir et il décide de fuir pour accomplir son devoir. Armide le supplie, pleure, crie, lui proposant même de l'accompagner comme simple servante, rien n'y fait. 

Armide, qui est d'un tempérament sanguin, est furieuse et détruit son palais. Elle rejoint l'armée des infidèles et promet sa main à celui qui tuera Renaud. Mais tous les hommes qu'elle envoie échouent face à Renaud. Désespérée, Armide s'isole dans un bois pour mettre fin à ses jours. Coup de théâtre, Renaud arrive et retient son bras à temps. Il la console, il la dorlote et lui promet de rester son chevalier, mais sans magie cette fois-ci. Armide accepte, renonce à la magie, se convertit au christianisme et prononce ces mots "voici la servante du Seigneur"

Tout est bien qui finit bien, y compris pour François Boucher.

Jardin de thé.

Gravure publiée à Londres le 10 octobre 1781 par William Humphrey intitulée "The tea garden" ( le jardin de thé).

Les jardins de thé étaient une spécificité typiquement anglaise. C'étaient des parcs paysagers situés en périphérie des villes qui, contrairement aux coffeehouses exclusivement réservés aux hommes, étaient ouverts aux femmes. Elles pouvaient s'y promener librement sans surveillance. De plus, ces jardins étaient ouverts à tous, quelque soit la classe sociale. Ils ont permis à la classe moyenne émergeante de côtoyer l'aristocratie, même s'il existait des préférences. Les grands jardins de plaisance, les plus réputés, comme Vauxhall ou Ranelagh imposait un droit d'entrée fixe d'un shilling et attiraient surtout la bourgeoisie et l'aristocratie. Les plus petits jardins de banlieue souvent adossés à des auberges ou des sources thermales étaient d'accès gratuit, seules les consommations étaient payantes. Ceux-là étaient surtout fréquentés par des commerçants et des artisans.

On pouvait flâner dans les allées, écouter des concerts en plein air, danser, jouer aux quilles ou aux boules et surtout déguster du thé chaud accompagné de tartines de pain beurré, de brioches ou de gâteaux.

Une anecdote mérite d'être rapportée. Les cuisines étaient souvent assez éloignées des tables et pour s'assurer d'avoir du thé chaud, il existait une boîte verrouillée munie d'une fente, dans lequel on pouvait glisser une pièce au moment de la commande afin d'accélérer le service. Cette boîte portait l'inscription suivante: "T.I.P.S. : To Insure Prompt Service". Le mot anglais "tip", qui signifie pourboire, provient de cette pratique.

La gravure nous montre deux femmes en compagnie d'un homme autour d'une table de thé. Les deux femmes portent des chapeaux démesurés typique de cette période géorgienne. L'homme lui semble être du genre "macaroni". On surnommait ainsi les jeunes anglais qui revenaient de leur "Grand Tour" en Italie en important des modes extravagantes. Le "macaroni" était l'ancêtre du dandy.

L'image est accompagnée de deux textes:

A gauche:

All innocent within the shade you see 

This little Party sip salubrious Tea.

Tout innocente à l'ombre, vous voyez

 Cette petite compagnie siroter un thé salutaire.

A droite:

Soft Tittle-Tattle rises from the Stream 

 Sweeten'd each word with Sugar & with Cream 

De légers commérages s'élèvent du ruisseau

 Adoucissant chaque mot avec du sucre et de la crème

 

On peut s'étonner de la présence dans le texte de gauche du mot "salutaire" qualifiant le thé. Nous sommes au XVIIIe siècle, siècle où le thé fut introduit en Angleterre. Or, ce ne fut pas sans mal. Le corps médical était divisé. Si certains médecins affirmaient que le thé purifiait le sang et soignait la mélancolie, d'autres prétendaient qu'il détruisait les nerfs, rendait les femmes stériles et provoquait l'hystérie. L'auteur du dessin, en insistant sur le rôle salutaire du thé ne prend pas partie, il fait juste remarquer que ceux ou celles qui consommaient du thé officiellement pour des raisons de santé, fréquentaient surtout les jardins de thé pour échanger les derniers potins du moment.

Histoire sans paroles.

Miniature extraite de "L'Histoire d'amour sans paroles" du début du XVIe siècle conservée au Musée Condé de Chantilly. 

L'ouvrage ne comporte aucun texte, d'où le qualificatif  "sans paroles". Il se compose de 28 miniatures pleine page. C'était un peu l'ancêtre des bandes dessinées muettes. Le lecteur était obligé d'imaginer la signification et le contexte de la scène, genre très rare à cette époque.

L'auteur est anonyme, mais les experts attribuent l'œuvre à un artiste de l'école de Touraine. Le couple a été identifié comme étant Jean III de Brosse, comte de Penthièvre et son épouse Louise de Laval. 

La dame se tient debout et se peigne devant un miroir convexe. Le mari l'observe. Le peigne joue un rôle particulier au moyen âge. C'est le messager du désir et de la passion. Offrir un peigne en buis était un cadeau fréquent, pour des fiançailles, par exemple. Les temps ont changé. Il est peu probable qu'offrir un peigne à sa mie soit un geste apprécié de nos jours. Il est même probable que les conséquences soient très défavorables.

Le miroir convexe, appelé  miroir sorcière, est un symbole de fidélité.

Le lit à baldaquin est recouvert d'un riche tissu rouge brodé d'or. Les motifs représentent des ailes, l'aile étant l'emblème de la famille Brosse. Au milieu de ces ailes, on trouve un I majuscule. Le prénom "Jean" était orthographié "Iehan" à l'époque. Il s'agit donc bien de Jean de Brosse.

Comme chez les nobles le mariage était indissociable des intérêts financiers, sous le ciel de lit, on trouve deux aumônières qui représentent le rapprochement des deux patrimoines.

Jean est assis sur une chaise curule à haut dossier appelée cathèdre. Ce genre de siège représente le pouvoir et l'autorité.

Louise joue donc une scène érotique avec son peigne et ses cheveux. Nous sommes là à la limite de la bienséance. D'ailleurs, au fond, une servante veille dans l'embrasure d'une porte. Même mariés, les époux dans la noblesse se devaient de rester dans les limites convenues.

 Compétition.

Huile sur toile du peintre baroque italien Guido Reni, datant de 1618-1619 et intitulé "Atalante et Hippomène". 

Guido Reni devait particulièrement apprécier ce thème puisqu'il en a réalisé trois versions. Celle qui est reproduite ici est conservée au Musée du Prado à Madrid. Une autre version est conservée au Musée de Capodimonte en Italie à Naples. Une troisième version a été récemment découverte en France, à Libourne. En 1949, un particulier fait don au musée des Beaux-Arts de Libourne d'une toile représentant Atalante et Hippomène. Les différents conservateurs du musée considèrent qu'il s'agissait d'une copie sans valeur et le temps passant le tableau est décroché du musée et on l'entrepose dans les réserves municipales pendant des décennies. Dernièrement, le tableau est confié à des restaurateurs, qui, pris d'un doute, consultent des historiens d'art et des experts. Après analyse des pigments utilisés, de la toile et de la technique picturale, les conclusions sont formelles: il ne s'agit pas d'une copie mais d'un troisième exemplaire original peint par Guido Reni.

L'histoire mettant en scène Atalante et Hippomène est tirée des Métamorphoses d'Ovide.

Atalante est une chasseresse. Sa particularité est qu'elle est capable de courir à une vitesse inégalée. A tel point qu'elle refusait de se marier sauf avec celui qui la battrait à la course. Hippomène était intéressé par la dame et il était bon coureur lui aussi. Seulement un détail retenait son enthousiasme. Atalante avait une coutume originale, celle de mettre à mort tous ceux qui échouaient à la battre dans une course. 

Hippomène alla se confier à la déesse Aphrodite qui se décida à l'aider. Elle lui remit trois pommes d'or en provenance du jardin des Hespérides. Et Hippomène, muni de ses pommes d'or, alla défier Atalante. Atalante, certaine de réussir, accepta le challenge.

La course commença, les deux s'élancèrent mais Hippomène se rendit compte qu'Atalante allait le dépasser. Il laissa tomber une pomme d'or. Les femmes sont ce qu'elles sont et Atalante est une femme. A la vue de la pomme s'or, elle s'arrête et va la ramasser. Pendant ce temps, Hippomène a continué à courir. Et à chaque fois qu'Atalante s'apprête à le dépasser, il échappe une pomme d'or, et Atalante stoppe sa course pour la ramasser. Les trois pommes ont suffi pour que Hippomène gagne la course et Atalante, Aphrodite avait vu juste.

La toile montre justement Atalante en train de ramasser la troisième pomme d'or.

Hippomène est fou de joie, il a battu Atalante, gagné sa main et plus si affinités. Seulement, dans son ivresse, Hippomène fait une erreur fatale. Il oublie d'aller remercier Aphrodite! et c'est bien connu, les dieux sont susceptibles. La déesse de l'Amour décide de se venger d'un tel affront. Lors d'un voyage du couple, alors qu'ils faisaient un peu de tourisme près d'un sanctuaire sacré dédié à Cybèle, la déesse-mère, celle qui se trouve dans un char tiré par des lions, Aphrodite les frappe d'un désir sexuel irrépressible. Les deux se trouvent dans un état de surexcitation tel qu'ils pénètrent dans le temple et s'unissent charnellement à l'intérieur, profanant ainsi le sanctuaire. Cybèle n'apprécie pas du tout l'outrage et d'un seul coup d'un seul, elle les transforme en lions et les attèle à son char. Il faut savoir, selon Pline l'Ancien, que les anciens Grecs et Romains étaient persuadés que les lions ne pouvaient s'accoupler qu'avec des léopards. Atalante et Hippomène, transformés en lions étaient donc condamnés à ne plus avoir de relations sexuelles à jamais, tout en étant à côté l'un de l'autre. Un vrai supplice.

Comme quoi, la politesse est indispensable lorsqu'on fait appel aux divinités comme à tout le monde d'ailleurs.

Accostage.

 

Caricature anglaise publiée par Carington Bowles le 4 juin 1781 et intitulée "An English man of War, taking a French Privateer". Cette estampe est conservée au British Museum.

Cette caricature joue sur le double sens des mots. Il convient de rappeler qu'en 1781, la France était en guerre contre la Couronne britannique au sujet de l'indépendance des Etats-Unis. La traduction littérale du titre est: "Un navire de guerre anglais capturant un corsaire français".

Première dualité, "man of war", en anglais, veut dire, indifféremment "homme de guerre" ou "bâtiment de guerre" et seconde, "privateer" se traduit pas "corsaire" ou "prostituée" qui croisait à la manière des navires, dans les rues, à la recherche des clients.

Ce qui fait que l'autre traduction devient: "un homme de guerre anglais s'empare d'une courtisane française".

Le décor est planté, il manque les accessoires. La courtisane est habillée à la dernière mode extravagante de Paris. Elle tient dans ses mains une boîte contenant des accessoires divers, le maquillage et les parures des courtisanes. Au passage, le dessinateur se moque aussi de l'obsession des femmes anglaises pour la mode française, malgré la guerre.

Le marin anglais est habillé à la mode des marins de l'époque: pantalon à rayures blanches et rouges, veste bleue, chapeau rond. On peut remarquer qu'il porte une badine souple sous son bras. Au XVIIIe siècle, en Angleterre, seuls les nobles et les officiers avaient l'autorisation de porter l'épée dans la rue. Pour se donner une certaine prestance, les autres, dont les marins, et par opposition aux esclaves qui n'avaient droit à rien du tout, le port de la badine était fréquent. Surtout chez les marins en goguette, car sur les navires, la badine servait aussi à punir les marins. A terre, muni de sa badine, le marin se sentait libre et pouvait faire le beau pour séduire les femmes.

Le marin anglais parlait un jargon incompréhensible du reste de la population. Outre leurs tenues plus que voyantes ils avaient une démarche chaloupée caractéristique (sea-swagger).

Après des mois en mer, le retour à terre donnait lieu à des débordements légendaires des "men of war", dilapidant leurs soldes en quelques jours, dans les tavernes, au jeu ou avec des prostituées.

Qui mieux que Paul Fort pourra décrire les états d'âme du marin en escale?

C'est là l'sort de la marine,...

On accost' mais on devine

Qu'ça s'ra pas le paradis!

On aura beau s'dépêcher

Fair' bon dieu, la pige au temps,

Et l'bourrer d'tous nos péchés

ça n's'ra pas ça et pourtant...

Tout' les joies, tous les soucis,

Des amours qui dur'nt toujours,

On les r'trouvent en raccourci

Dans nos p'tits amours d'un jour.

Dame Fortune.

 

Cette enluminure représente dame Fortune face à l'écrivain italien Jean Boccace. Elle est issue du manuscrit "De casibus virorum illustrium" (Des cas des nobles hommes et femmes) traduite en français par Laurent de Premierfait. Ce manuscrit est conservé à la BNF.

Dame Fortune est souvent représentée avec des multiples bras, cent bras, précise Boccace. Cette bizarrerie symbolise sa nature aléatoire, changeante, capricieuse; elle distribue la richesse ou ruine de nombreuses personnes simultanément sans logique apparente.

Fortune est souvent associée à la Roue de la fortune.

Fortune fait tourner la roue. 

A gauche, un homme, en tunique verte, monte, plein d'espoir: Regnabo (je régnerai).

Il est couronné et triomphant une fois arrivé au sommet: Regno (je règne).

La roue tourne et la déchéance débute: Regnavi (j'ai régné).

Enfin, en bas, déchu de tout pouvoir, ignoré de tous: Sum sinz regno (je suis sans royaume).

Autre représentation de dame Fortune devant Boccace et cette fois-ci, elle a les yeux bandés, afin de rappeler que ses choix sont arbitraires.

Dame Fortune discute avec Boccace. Elle a relevé sur son front son bandeau ce qui prouve qu'elle peut cesser d'être aveugle. Elle a ses favoris du moment. En fait, elle distribue souvent ses largesses en toute conscience jusqu'au moment où elle se lasse ou on la lasse.

Dame Fortune n'a pas disparu avec le moyen âge. Elle réapparaît de temps en temps.

comme le montre cette lithographie de Fortuné-Louis Méaulle (quand on se prénomme Fortuné, on ne peut faire moins) pour la Loterie de l'Union centrale des Arts décoratifs datant de 1878. Dame Fortune a changé de tenue, certes, mais ses yeux sont bandés et la roue est toujours présente, sous un de ses pieds.

ou encore cette couverture du magazine allemand Juden du 8 janvier 19oo, du genre "Art nouveau" réalisée par la comtesse Otolia Olga Kraszewska. Dame fortune est toujours là, toujours les yeux bandés le pied sur la roue de la fortune. Cette fois-ci, elle avance l'aiguille d'une horloge pour quitter le XIXe siècle et entrer dans le XXe siècle. Hélas! elle ne nous a pas gâté, si ce nouveau siècle nous a donné le meilleur, il nous a aussi apporté le pire.

Premier baiser.

 

Peinture académique du français William-Adolphe Bouguereau de 1890. Il n'est pas possible de voir ce tableau, il appartient à une collection privée dont le nom du propriétaire est anonyme pour des raisons de sécurité.

Elle est intitulée très souvent, à tort, "Le Premier baiser". "Le premier baiser" le vrai, est une autre œuvre de Bouguereau datant de 1873. Son vrai titre est "L'Amour et Psyché, enfants".

Il représente Cupidon, avec ses ailes d'ange, et Psyché, avec ses ailes de papillon, s'embrassant sur un nuage. Eux au moins n'ont pas l'impression d'être sur un petit nuage, ils y sont.

L'histoire de Cupidon et Psyché est un des récits les plus célèbres de la mythologie grecque tiré des Métamorphoses d'Apulée. Psyché, en grec, veut dire âme, mais aussi papillon. Ce récit symbolise le voyage de l'âme humaine au travers des épreuves qu'elle subit pour gagner le royaume divin.

Voici très rapidement un résumé de cette histoire. 

Psyché est une princesse mortelle. Sa beauté est si extraordinaire que les hommes abandonnent les temples consacrés à Vénus pour venir l'adorer. Voilà qui déplait fortement à Vénus, qui si elle aussi est réputée pour sa beauté extraordinaire, n'est pas connue pour sa clémence et son bon caractère. La crise de jalousie qui l'anima lorsqu'elle apprit cette désertion fut dantesque. Elle convoqua son fils, Cupidon et lui ordonna de frapper Psyché avec une de ses flèches pour la rendre amoureuse de l'être le plus monstrueux de la terre.  Décision hâtive car cet amour incertain est plus fréquent qu'on le croit, à preuve, dans ses Odes et Ballades de 1826, Victor Hugo nous apprend que:  "On voit des biches qui remplacent leurs beaux cerfs par des sangliers". 

Mais enfin, Cupidon obéit à sa mère. Seulement en voyant Psyché, il est ébloui par sa beauté à tel point qu'il en perd ses moyens et se blesse avec la flèche qui lui était destinée. Et c'est lui qui tombe éperdument amoureux de Psyché. Cupidon l'entraîne en cachette dans un somptueux palais. Il revient toutes les nuits auprès de Psyché pour lui parler du pays, dans le noir absolu. Toutes les nuits car Vénus sait tout, voit tout. Il fait promettre à Psyché de ne jamais chercher à voir son visage. Psyché accepte cet amour nocturne. Là encore, rien d'étonnant, de nos jours encore, certains couples pratiquent la chose en aveugle ce qui permet de se guider au toucher.

Seulement, Psyché avait des sœurs, un peu jalouses, elle aussi. Elles la persuadent qu'il est tout à fait possible qu'elle couche avec un monstre. L'idée fait son chemin et une nuit, profitant du sommeil de Cupidon, Psyché allume une lampe à huile et elle découvre Cupidon. Emerveillée pas sa beauté, sa main se met à trembler et une goutte d'huile bouillante tombe sur l'épaule de Cupidon. Le réveil fut brutal et prenant ses ailes à son cou, Cupidon s'enfuit.

Que faire pour retrouver son amour enfui? Psyché se soumet à Vénus qui, perverse, lui inflige quatre épreuves impossibles: Trier des grains minuscules, rapporter de la laine d'or, puiser l'eau du Styx et descendre aux Enfers. Psyché est tenace, grâce à l'aide de forces de la nature, elle triomphe de toutes ces épreuves. Et à ce moment, elle bénéficie d'une aide inattendue: Zeus, qui surveillait les agissements de Vénus, est touché par la détermination de Psyché. Il lui accorde l'immortalité, lui fait boire de l'ambroisie et lui permet de vivre son amour éternellement avec Cupidon et cette fois-ci, au grand jour.

Ce tableau de Bouguereau a été présenté au Salon de Paris de 1890 où il reçut un accueil chaleureux du public. Ramener Cupidon et Psyché sous forme d'enfants de trois à quatre ans rassurait le bourgeois en effaçant toute trace de sensualité tout en conservant le fond de l'histoire. Bouguereau est à l'apogée de sa carrière, il est aussi Président de la Société des Artistes français, ce qui ne gâche rien. Seuls les impressionnistes ont été un peu bougons.