Dame nature.

 

Enluminure du Roman de la Rose vers 1365.

L'illustration comporte trois scènes. A gauche, un couple au lit qui semble assez occupé. Le texte précise que Dame Nature pousse les êtres à s'unir pour "perpétuer l'espèce". Au centre une tour en flammes qui symbolise les drames et les accidents terrestres. Enfin, à droite, une figure couronnée frappe en enfant avec un marteau. Il est admis par certains que dans cette enluminure, il s'agirait de la mort. Mais, d'autres illustrateurs n'ont pas du tout interprété le texte de cette façon et de plus, la mort est rarement couronnée. 

Le texte précise que Dame Nature est une reine bienveillante et qu'elle utilise une enclume et un marteau pour façonner des enfants. Le dessinateur ici a juste oublié l'enclume ce qui change totalement le sens. Il ne s'agit pas de la mort, il s'agit de Dame Nature.

 

On voit ici une autre illustration de la même scène. Dame nature forge des enfants à tour de bras, tandis que la mort fait ses offices à l'extérieur. On en voit d'ailleurs deux qui sont terminés et qui rampent sur le sol. Les autres sont entassés près du foyer et attendent les finitions de Dame Nature.

Autre version qui montre Dame Nature en plein travail.

Sur la première image, l'enlumineur a donc commis un oubli qui conduit à des interprétations erronées de ce passage du Roman de la Rose dans une de ses versions. En effet il existe plus de 300 manuscrits du Roman de la Rose de par le monde,  toutes avec des enluminures plus ou moins différentes. Celle en question est conservée à la Bibliothèque de l'Université de Chicago et a été réalisé à l'époque où la demande était la plus forte, ce qui explique, peut-être, dans la hâte, l'oubli de l'enclume.

L'un des auteurs du Roman de la Rose, Jean de Meun, a introduit cette nécessité de la reproduction afin de lutter contre l'obligation de la chasteté et du célibat pour les ecclésiastiques. Pour lui ceux qui refusent de "forger", c'est à dire de procréer sont "comparables à des scribes qui écrivent à l'envers".

Laissons donc Dame Nature forger à sa guise et laissons le marteau frapper l'enclume.

Repassez plus tard.

 

Tableau du néerlandais Cornelis van Cuylenburgh de 1825 intitulé "Strijkster" (La repasseuse). Cette huile sur toile est conservée au Museum d'Utrecht aux Pays-Bas.

La scène se déroule dans une cuisine où une femme en tenue domestique classique de l'époque, coiffe blanche, corsage rouge, tablier blanc et jupe longue, repasse un linge avec un fer sur une table recouverte d'une épaisse couverture rayée. L'intérieur est celui d'une cuisine hollandaise de cette époque avec son sol en carreaux de terre cuite, sa cheminée ornée d'assiettes, alignées en rang d'oignons, dont on ne servait jamais pour ne pas les casser et son plafond brut.

La femme utilise un fer à braises ou un fer à lingot. Ce fer s'ouvrait pour recevoir soit des braises ardentes soit un lingot de fer chauffé dans la cheminée. La poignée supérieure était en bois afin d'éviter de se brûler les mains, ce qui est toujours désagréable.

Ces fers ne produisant aucune vapeur, afin de détendre les fibres de lins ou de coton, la femme aspergeait légèrement le linge à repasser en secouant sa main trempée dans l'eau ou utilisait une pattemouille. Evidemment, ces fers ne disposaient pas de thermostat; pour tester la chaleur, la repasseuse devait approcher le fer de sa joue, mais pas trop près tout de même. Une autre technique consistait à déposer de la salive sur le fer en crachotant et à regarder l'effet.

Le thème des femmes accomplissant des tâches domestiques a toujours inspiré certains peintres. Van Cuylenburgh n'est pas le seul et pour le prouver nous allons donner quelques exemples non exhaustifs.

Partons en France afin de voir comment s'y prenaient nos grands mères.

Ce tableau est l'œuvre du français  Joseph Caraud non datée mais réalisé probablement entre 1860 et 1880. Il est intitulé "Une bonne ménagère". Ce tableau n'appartient à aucun musée, il fait partie d'une collection privée. On trouve sa trace en 2001 aux galeries Roughton Galleries de Houston. Il a ensuite été vendu à deux reprises. En novembre 2022 chez Bonhams à Los Angeles, puis en mai 2023 chez Heritage Auctions au Texas.

La jeune femme qui repasse est coiffée d'un bonnet à dentelle, d'une élégante robe rouge probablement à faux-cul, et d'un grand tablier blanc. Elle est chaussée d'escarpins surmontés d'un nœud papillon de couleur assorti à sa robe. Elle porte un soin particulier au ruban bleu qu'elle repasse sur son plan de travail. La table est recouverte d'une épaisse couverture pour faciliter le repassage. En fixant son visage longuement, on s'apprête à la voir tirer la langue à force de concentration.

Elle utilise ici un fer plat directement chauffé sur les braises. Pour ne pas perdre de temps, un second fer chauffe sur un brasero situé près d'elle. Pour utiliser ces fers, avant de repasser, il fallait préalablement passer un chiffon sur la semelle afin de retirer toute trace éventuelle de cendre ou de suie.

Allons voir comme ça se passait chez nos voisins anglais.

Huile sur toile du britannique Henry Robert Morland, non daté mais probablement exécuté entre 1765 et 1782 intitulé "A Laundry Maid Ironing" (Une blanchisseuse repassant). Ce tableau est conservé à la Tate Britain à Londres.

Notre anglaise est vêtue à la mode du XVIIIe siècle. La couleur de sa peau tire sur la perle de lait comme certaines porcelaines, ce qui lui donne un aspect fragile. L'est-elle réellement, on l'ignore. Toutefois, elle a trouvé la solution pour économiser ses forces: elle repasse assise. Elle utilise un fer à lingot, décrit précédemment mais on peut voir, à gauche sur la table, le support de fer. Si, de nos jours, on trouve fréquemment des fers à lingots dans les brocantes, il est plus rare de les trouver avec leur support.

On imagine, qu'en Allemagne, les femmes devaient aussi repasser.

 

Voici pour nous en convaincre une huile sur toile du peintre allemand Rudolf  Epp intitulé "Tâches ménagères", non datée mais probablement de la fin du XIXe siècle. Ce tableau appartient à une collection privée, la dernière vente ayant eu lieu en avril 2018 à Vienne en Autriche chez Dorotheum.

La jeune femme porte une longue jupe sombre, un corsage rouge, un tablier blanc et un bonnet blanc typique de ceux portés par les habitants de la Forêt Noire à l'époque. Elle est concentrée sur sa tâche et s'applique à augmenter la hauteur de la pile de linge déjà entassé sur sa table. Du linge en attente est amassé dans un panier posé sur un banc. Le fer qu'elle utilise semble être un fer à lingot.

Revenons à notre point de départ, en Hollande. Hermann Knopf, fin XIXe début XXe siècle nous offre cette huile sur toile intitulée "Dutch Girl Ironing" (Une Hollandaise repassant). Ce tableau appartient à une collection privée. La dernière vente a eu lieu en septembre 2025 chez Weschler's.

Dans la lumière du matin, la jeune fille utilise un fer à lingot, pour repasser.

N'étant pas spécialiste de cet art, nous avons tout dit ou presque du repassage de nos ancêtres. Nous n'irons pas plus loin.

Toilette de la mariée.

 

Gravure du XIXe siècle, parue dans la revue "Le Magasin Pittoresque" en illustration de la nouvelle "Le mariage d'Annaïc", en 1881, intitulée "La Toilette de la mariée".

La gravure reproduit un tableau du peintre américain Henry Mosler spécialisé dans les scènes de genre bretonnes. Cette gravure ne montre qu'une partie du tableau de Mosler, les deux extrémités ayant été coupées à cause des contraintes de mise en page du magazine. 

Henry Mosler a été formé en Europe et s'est installé par la suite en Bretagne dans la région de Pont-Aven à la fin des années 1870. Ses scènes de mariages bretons ont connu un immense succès aux USA. Au salon de Paris de 1879, il est devenu le premier peintre américain dont une toile (Le Retour) a été achetée par l'Etat français pour le musée du Luxembourg.

La future mariée se tient droite, le regard songeur. Elle porte la coiffe blanche traditionnelle, un châle sur les épaules, une robe foncée à manches longues et un tablier clair. Agenouillé, le tailleur porte un gilet clair, un pantalon bouffant (bragou-braz) et des sabots de bois. Il prend les mesures de la jeune fille à l'aide d'un mètre-ruban. Contrairement à l'image classique de la couturière, à cette époque, en Bretagne, les tailleurs étaient presque exclusivement des hommes, peut être à cause du poids important des costumes en draps de laine.

Debout, à droite, le fiancé observe la scène, en bourrant sa pipe. Il porte un grand chapeau rond, comme il se doit si on en croit la chanson, une veste courte et un pantalon bouffant serré aux genoux. Il est chaussé de sabots.

La marchande se tient derrière son comptoir, vantant la marchandise, marchandises qui débordent des étagères.

Nul ne doute qu'Annaïc sera belle à ravir dans sa tenue nuptiale, cette tenue que le jeune marié n'aura qu'une hâte de retirer le moment venu.

Entrez dans la danse.

 

Huile sur toile du français Nicolas Poussin datant des années 1634-1636 et intitulé "La Danse de la vie humaine". Ce tableau fait partie de la Wallace Collection de Londres au Royaume Uni.

La Danse de la vie humaine a été commandée en 1634 par le prélat Giulio Rospigliosi qui deviendra en 1667 le pape Clément IX. Le tableau reste dans les collections de la famille du cardinal à Rome pendant plus d'un siècle et demi. En 1806, l'oncle de Napoléon Bonaparte, le cardinal Joseph Fesch l'acquiert et il rejoint la France. A la mort de Fesch, en 1845, la collection est dispersée et vendue. Richard Seymour-Conway, quatrième marquis d'Hertford se porte acquéreur et en fait don, par la suite à son fils, sir Richard Wallace. De nos jours, il est exposé à la Wallace Collection de Londres.

Dans ce tableau, chaque personnage joue un rôle bien précis. 

Au centre du tableau se trouvent quatre danseurs. Ils effectuent une ronde mais en tournant le dos contrairement à une ronde traditionnelle. Les connaisseurs prétendent qu'il est quasi impossible de danser ainsi, mais passons. L'important c'est le symbolisme sous-jacent à cette ronde.

A droite, la femme vêtue d'une robe orange, coiffée d'un turban, pieds nus, incarne le dénuement, la pauvreté. Elle incarne l'hiver. Au centre, une autre femme, à l'épaule dégagée, les cheveux tressés, portant des sandales dorées symbolise l'effort nécessaire pour s'élever dans la société. Elle relie la pauvreté à la richesse. Elle représente l'été. La richesse, justement se trouve à gauche vêtue d'une étoffe bleue et porteuse de sandales dorées. Elle symbolise la prospérité acquise par le travail. Elle représente le printemps. Enfin le quatrième danseur est un homme, couronné de feuilles de laurier. Lui donne une main à la richesse et l'autre à la pauvreté. Il sert de passerelle car il représente l'oisiveté et la luxure, nous montrant que l'abus de plaisirs conduit à la ruine. Il représente l'automne.

On voit, à droite, un vieillard ailé qui joue de la lyre. C'est lui qui rythme la ronde, qui donne le tempo, qui oblige les humains à danser. Il s'agit du dieu Chronos, le dieu implacable du temps. Un angelot, assis à ses pieds, tient un sablier et regarde le sable s'écouler afin de rappeler à l'homme que chaque instant qui passe le rapproche de sa fin.

A gauche, on voit une statue au double visage, l'un vieux et l'autre jeune. Le visage vieux regarde vers le passé, le visage jeune regarde vers l'avenir. C'est le dieu Janus, le dieu des portes. Il assure la continuité de l'humanité. Au pied de la statue, un autre angelot souffle des bulles de savon. Il nous rappelle que la vie humaine ressemble à une de ces bulles, fragile et éphémère.

En haut, on voit Apollon sur son char, le dieu du Soleil, tenant le cerceau du zodiaque et accompagné derrière lui par les Heures qui dansent autour du char. Devant lui, montrant le chemin, se tient la déesse du matin, Aurore, annonçant le renouveau quotidien en semant des fleurs sur la terre.

Lors d'une restauration, en 1975,  le retrait des couches successives de vernis ont laissé apparaître de nombreuses empreintes digitales. Il s'agit des empreintes des doigts de Nicolas Poussin. Il se servait de ses doigts pour presser la peinture fraîche afin d'atténuer les transitions de couleurs et estomper les coups de pinceaux.

La fuite du temps, la fortune ou la ruine, tout cela n'est pas très réjouissant Et pourtant Poussin a influencé d'autres peintres célèbres comme David ou Ingres ou encore Cézanne et Matisse.

Matisse n'a conservé que la ronde et banni les chérubins et les dieux dans son tableau "La Danse" datant de 1910 et aujourd'hui conservé au Musée de l'Ermitage à Saint-Pétersbourg en Russie.

Il a même retiré les vêtements des danseurs. Mais, grâce à tout ce ménage, soudain, la ronde devient le signe de la vitalité et de la joie. Ce qui nous donne l'occasion de terminer sur une note optimiste.

L'escarpolette.

Tableau rococo peint par Jean Honoré Fragonard vers 1767-1768 et intitulé "Les Hasards heureux de l'escarpolette". Cette huile sur toile est considérée comme un des chefs-d'œuvre du XVIIIe siècle français. Elle est conservée à la Wallace Collection de Londres.

Une femme, vêtue d'une impressionnante robe rose à volants se balance dans les airs sur une escarpolette, poussée par son mari. 

Le mouvement de la balançoire est suffisamment important pour qu'elle perde une de ses mules dans l'aventure. Perdre sa chaussure symbolise la perte des conventions sociales et de la pudeur. La jeune femme, à chaque passage s'offre à son amant. 

Le mari, tout à l'attention de son nouveau métier, ne se doute pas que justement, l'amant de la dame est allongé dans les buissons et qu'il profite à chacun de ses passages d'une vue privilégiée de ses jambes ou peut être plus, sous ses jupons. La jeune femme, elle, oscille entre son amant et son mari, ce qui révèle l'inconstance de ses sentiments et le vertige du désir.

L'amant, qui voit constamment passer devant lui l'objet de son désir, tend son tricorne vers lui, le saluant au passage.

En bas, à droite, un chien aboie au passage de la balançoire comme s'il redoutait l'issue de ce libertinage. Mais la statue de Cupidon, à gauche, lui intime de se taire, en posant son doigt sur sa bouche.

Au centre, presque sous la dame, deux angelots sculptés, chevauchent un dauphin. Eux aussi, tout comme l'amant ont le regard tourné vers le haut symbolisant la passion amoureuse.

Pour couronner le tout, les buissons de rose et la végétation luxuriante évoquent les plaisirs sexuels, tandis qu'un rayon de soleil éclaire la jeune femme et son amant, oubliant le mari trompé dans l'ombre de la végétation.

On peut dire que Fragonard n'a rien oublié dans cette composition.

Mais comment un tel tableau a-t-il pu voir le jour? Le dramaturge Charles Collé, dans son journal, en octobre 1767 nous en explique la génèse.

Un riche noble français, le baron Saint-Julien, receveur général du clergé invite un jour le peintre Gabriel François Doyen à le rejoindre dans sa "maison de plaisir" en compagnie de sa jeune maîtresse. Il la présente à Doyen et lui demande de peindre une scène où sa maîtresse se balancerait sur une escarpolette poussée par un évêque. Et il ajoute: "Vous me placerez de façon, moi, que je sois à portée de voir les jambes de cette belle enfant, et mieux même si vous voulez égayer davantage votre tableau". 

Le thème de ce tableau a donc été imposé par le baron Saint-Julien. Seulement, il faut savoir que Gabriel François Doyen était surtout célèbre pour ses grandes peintures religieuses, comme par exemple le "Miracle des Ardents". Voilà qui l'éloignait sérieusement de son thème de prédilection. Il en éprouva même un haut-le-cœur, profondément choqué par la vulgarité de la demande et de son caractère blasphématoire. Mêler un évêque à cette turlupinade, lui donnait des sueurs froides. Il refusa donc tout net la commande, mais devant l'air déconfit du baron, il lui recommanda un jeune peintre prometteur susceptible d'accepter la chose. Ce jeune peintre, c'était Fragonard.

Fragonard rencontre le baron Saint-Julien qui lui expose son projet. Il accepte avec enthousiasme. Cependant, il devait songer à protéger sa carrière et éviter de subir les foudres de l'Eglise et la censure royale. Il explique alors qu'un évêque n'apportait rien d'intéressant dans la scène, que l'important c'était la balançoire, la petite maîtresse, juchée dessus, montrant ses jambes et le baron couché dans les rosiers les admirant. Il proposa alors un homme laïc, âgé, un mari quoi! tapi dans l'ombre. Un mari cocu amuse toujours le public puisque ça n'arrive qu'aux autres. 

Evidemment, le tableau était destiné à être exposé seulement dans un cabinet de curiosités libertin mais le sort en décida autrement.

En effet, plus tard, la petite maîtresse oubliée, le baron de Saint-Julien vendit cette toile au fermier général Marie François Ménage de Pressigny. Vient la terreur révolutionnaire de 1793, et les deux protagonistes furent guillotinés en 1794. Le tableau horrifie les révolutionnaires qui le considère comme le symbole absolu de la frivolité et de la décadence de l'aristocratie. Il est saisi, devient bien national et disparaît on ne sait où pendant plusieurs dizaines d'années. Sans qu'on sache trop comment, il réapparaît sous le second Empire dans la collection privée du duc de Morny, le demi-frère de Napoléon III, grand amateur d'art. Le duc de Morny décède en 1865 et sa collection est dispersée par une vente aux enchères. "L'escarpolette" faisait partie de la vente et c'est le marquis d'Hertford, un britannique vivant à Paris, qui l'emporte. Par la suite, le marquis d'Hertford lègue sa collection d'art à son fils illégitime, sir Richard Wallace, et c'est ainsi que le tableau intègre la Wallace Collection de Londres où il est présenté au public depuis 1900. 

En 2021, une restauration importante fut décidée à cause des couches successives de vernis jaunis. Le petit chien qui aboie frénétiquement, qui avait totalement disparu, s'est remis à aboyer.

Et c'est ainsi, qu'un baron français voulant honorer sa jeune maîtresse et qu'un jeune peintre talentueux ont donné naissance à une œuvre considérée de nos jours comme l'un des plus célèbres trésors de l'Angleterre.

La récureuse.

 

Huile sur toile du français Jean Siméon Chardin, datée de 1738 et intitulée "La Récureuse". Ce tableau était accompagné d'un autre (Le Garçon cabaretier) pour former une paire comme c'était souvent le cas à l'époque. Il est conservé à la National Gallery of Art à Washington D.C. USA. Une autre version, l'original en fait, de format plus petit, réalisée par Chardin est conservée au Hunterian Museum and Art Gallery à Glasgow en Ecosse.

Une servante, vêtue d'un tablier blanc et d'une coiffe blanche nettoie une poêle à long manche dans un tonneau en bois. La jeune servante ne regarde pas ce qu'elle fait. Son regard se perd au loin alors que ses mains s'activent sur la poêle. Chardin insiste sur le contraste flagrant entre l'activité mécanique du travail et la rêverie intérieure.

Les sujets de Chardin tranchent avec les scènes mythologiques ou les scènes galantes de style Rococo des autres peintres de son époque. L'original, celui de Glasgow, a été exposé au Salon de 1738 à Paris. Il appartenait au marquis de Vandières, le frère de madame de Pompadour. Paradoxalement, ces tableaux étaient très recherchés par l'aristocratie pour la représentation de la vie simple et laborieuse qu'ils montraient. Louis XV et l'impératrice Catherine II de Russie se les arrachaient.

Cette toile incarne les vertus bourgeoises du travail honnête et de la modestie par opposition à la société libertine des aristocrates. Les tâches ménagères sont mises en valeur, le nettoyage des ustensiles ménagers et la blancheur des vêtements sont glorifiés comme un symbole de la pureté de l'âme. Le regard perdu dans ses songes de la servante indique qu'elle n'est pas écrasée par la charge de son travail mais qu'elle conserve sa liberté de penser comme le souhaitait Jean-Jacques Rousseau.

 Léda.

Peinture à l'huile de François boucher, réalisée en 1741-1742, intitulée "Léda  et le Cygne". Cette toile est conservée au Nationalmuseum de Stockholm en Suède.

Dans la mythologie grecque, Zeus prend l'apparence d'un cygne pour approcher Léda. Dans ce récit, il n'est nullement fait mention d'une autre femme présente. Mais Boucher a trouvé bon d'ajouter une nymphe ou une suivante, on ne sait pas, complètement nue, évidemment, afin de mieux plaire au public libertin de son époque. Et il ne se trompa pas car ce tableau, non prévu au Salon de 1742, fut intégré à la dernière minute sous le numéro 21 bis pour ne pas avoir à refaire la numérotation et appelé "Autre représentant une Léda". Le succès fut tel que l'image de Léda, dans cette pose, le bras levé et penchée, a inspiré des statuettes en biscuit de porcelaine à la manufacture de Lunéville. Dans cette interprétation de Boucher, Zeus, c'est à dire le cygne, est relégué au second plan et le regard est irrésistiblement attiré par les deux femmes.

Resituons l'histoire. Léda est une princesse d'Etolie d'une grande beauté, devenue reine de Sparte grâce à son mariage avec le roi Tyndare. Zeus, qui a un œil partout, la remarque alors qu'elle se promène le long du fleuve Eurotas. Il tombe sous son charme et décide de la séduire sur le champ. Mais comment faire?  L'eau du fleuve lui donne l'idée de se métamorphoser en cygne. Un cygne voguant sur l'eau d'une rivière, quoi de plus banal? Mais justement, c'est tellement banal, que la belle Léda n'y jettera à peine un simple coup d'œil. Alors qu'il réfléchissait à son stratagème, il aperçoit Vénus qui passait par là sans trop savoir à quoi s'occuper. Il lui explique la situation et lui demande de se transformer en aigle et de fondre sur lui pour simuler une attaque. Pour y échapper, Zeus cherchera protection dans les bras de la reine. Marché conclu. Il se précipite vers Léda, poursuivi par l'aigle. Léda, attendrie, protège la bête, chasse l'aigle, réchauffe le cygne contre elle et succombe émerveillée par le volatile. Evidemment, Zeus en profite et arrive à ses fins.

D'ordinaire, ceux qui racontent l'histoire s'arrêtent là. Sauf que justement, elle ne s'arrête pas là. Léda, voulant peut être brouiller les pistes, rentre chez elle et s'unit aussi avec son époux légitime, le roi Tyndare.

Le problème, c'est que ces deux unions consécutives, mirent la belle Léda dans une situation embarrassante qui devait se terminer par la naissance d'enfants des deux pères. D'abord, Léda, contrairement à la coutume, donna naissance à deux œufs, à cause de l'apparence que prit Zeus. Et de ces œufs naquirent deux enfants immortels Hélène et Pollux de l'un, issus de l'union avec Zeus et deux enfants mortels, Clytemnestre et Castor de l'autre, issus de l'union avec Tyndare. On espère que tout le monde suit.

Cette descendance est à l'origine des plus grands drames grecs puisque la beauté d'Hélène provoquera la guerre de Troie. Castor et Pollux, eux accomplirent de grands exploits en compagnie des Argonautes, mais Castor, qui est mortel, est tué un jour au combat. Pollux supplie Zeus de ne pas les séparer. Zeus, qui se sentait un peu coupable, accepte et les place dans le ciel dans la constellation des Gemeaux. Quant à Clytemnestre, elle épouse le roi Agamemnon, et l'assassine, ainsi que la princesse Cassandre, dès son retour de la guerre de Troie. Dit comme ça, on a le droit d'être surpris, mais il faut savoir qu'Agamemnon avait tué le premier mari de Clytemnestre, Tantale, et leur enfant et qu'il l'avait épousé ensuite. On était quitte.

Ce qui a énormément séduit les peintres et les sculpteurs, c'est la présence du cygne avec Léda. Les tableaux les représentant sont innombrables dont voici quelques exemples.

Tout d'abord, une mosaïque romaine représentant Léda et le cygne. Elle provient d'une demeure romaine située à Palaepaphos (actuelle Koubia, près du sanctuaire d'Aphrodite) à Chypre. Elle est datée de la fin du IIe siècle après J. C. Elle est conservée au Musée de Chypre à Nicosie.

Peinture sur bois considérée comme une copie du chef-d'œuvre perdu de Léonard de Vinci et réalisé par un de ses disciples daté des années 1510-1520. Ce tableau est conservé à la Galerie Borghèse à Rome en Italie.

Léda et le Cygne de Pierre-Paul Rubens, daté d'environ 1600. Cette huile sur panneau est conservée au Musée des Beaux-Arts de Houston aux USA.

Tableau réalisé par le peintre français Jean Baptiste Marie Pierre, qui fut Premier peintre de Louis XV, réalisé dans la seconde moitie du XVIIIe siècle. Il est conservé au Museu Nacional de Belas Artes de Rio de Janeiro au Brésil.

Tableau de l'italien Le Corrège, réalisé vers 1531-1532 conservé à la Gemälgalerie de Berlin. Ce tableau est assez complexe. A droite en bas, on voit le cygne se poser sur l'eau à côté de Léda. Au centre, c'est l'union célébré par Cupidon et des amours musiciens, puis une fois l'affaire faite, en haut à droite, on voit le cygne prendre son envol et Léda se rhabiller, l'air satisfaite.

Huile sur toile du XVIIIe siècle réalisée par le français Jean-François de Troy. Ce tableau est conservé au Musée d'Art et d'Histoire de Chaumont en France.

Fresque d'Eugène Delacroix datée de 1834. Delacroix a peint Léda et le Cygne lors d'un séjour à l'abbaye de Valmont en Seine-Maritime. Elle était destinée à orner un dessus de porte. Elle est conservée au Musée national Eugène-Delacroix à Paris.

 

Aquarelle et gouache sur papier vers 1882 du peintre français Gustave Moreau. Collection privée.

  

Huile sur toile de Paul Cézanne vers 1880. Ce tableau est conservé à la Fondation Barnes à Philadelphie aux USA.

Léda atomique, peint par Salvador Dali en 1949. Le tableau est conservé au Théâtre-Musée Dali de Figueres en Espagne. Dans ce tableau Léda est son épouse Gala, et Dali s'identifie lui-même en Cygne. Ce tableau fait partie de la période nucléaire de Dali et est inspirée par la physique quantique. L'analyse complète du tableau nous emporterait trop loin, sur des calculs géométriques, des proportions basées sur le nombre d'or et des considérations de mécanique quantique.