Vue de l'intérieur.

Enluminure extraite du Roman de la Rose, écrit vers 1490 représentant Néron assistant à la dissection de sa mère, Agrippine la jeune.

On voit Néron, portant couronne et vêtements médiévaux de velours assister à la dissection de sa mère qu'il a fait assassiner. Selon Tacite, un astrologue avait prédit à Agrippine que son fils régnerait, mais qu'il l'assassinerait. Au moment où les soldats envoyées par Néron sont arrivés dans sa villa en 59 après J. C., elle leur aurait tendu le ventre en s'écriant: "Frappe ici!", sous entendu, frappe ce ventre qui a conçu un tel monstre. Au moyen âge, la légende prétendait que Néron voulait voir d'où il venait et qu'il avait demander qu'on lui ouvre le ventre pour mieux s'en rendre compte. En réalité, les historiens romains racontent que Néron est juste venu contempler le cadavre dénudé de sa mère et qui a commenté sa beauté. Il avait critiqué certaines parties du corps et apprécié d'autres en faisant des commentaires. Puis il avait demandé à boire. Ce qui est déjà peu banal.

Contrairement à une idée répandue, l'Eglise n'a jamais interdit les dissections à but médical. La pratique s'est même développée dans les universités tenues par l'Eglise dès le XIIIe siècle. La confusion provient de la bulle du pape Boniface VIII "Detestande feritatis" (De la détestable férocité) datée de 1299. Ce texte ne visait pas la médecine mais la pratique des croisés consistant à démembrer et à faire bouiller les cadavres des nobles morts au cours des croisades afin de rapporter leurs ossements plus facilement dans leurs fiefs.

Au moyen âge, les dissections, qui étaient publiques, faisaient intervenir trois personnages: le professeur (lector), assis sur une chaise en hauteur, lisait à voix haute les textes anciens de Gallien, un assistant (ostentor) désignait, au fil de la lecture, les organes à l'aide d'une baguette, et le barbier-chirurgien, considéré comme un simple artisan, maniait le couteau. Il n'existait aucun produit de conservation, c'est la raison pour laquelle les dissections avaient lieu uniquement en plein hiver pour freiner la décomposition. Une séance de dissection durait quatre jours en suivant un ordre précis: d'abord les organes les plus fragiles qui se gâtent le plus vite, puis le thorax, la tête et enfin les membres. On disséquait principalement les corps des criminels exécutés sans famille connue. Le but de ces dissections n'était pas de faire des découvertes mais juste de vérifier le bien fondé des récits de Gallien. A noté que Gallien avait surtout disséqué des porcs et des singes. Si par hasard, et c'est arrivé, on trouvait un organe qui différait de la description qu'en avait fait Gallien, on ne remettait pas en doute ses écrits, mais on en déduisait que depuis le temps où Gallien officiait, le corps humain avait dégénéré. Ce n'est qu'à partir du XVIe siècle que André Vésale osa contredire Gallien.

En clair, les auteurs ont exagéré la légende antique pour accentuer le côté bestial et la monstruosité de Néron, qui n'avait vraiment pas besoin de ça.

Voyage.

Affiche de 1892 intitulée "Chemin de fer d'Orléans: Paris à sceaux & Limours", réalisée par l'imprimerie Champenois pour promouvoir le tourisme dominical. Cette affiche est conservée à la BNF ainsi qu'aux Archives départementales des Hauts-de-Seine.

L'imprimerie Champenois était située 66 boulevard Saint-Michel à Paris. En 1892, Ferdinand Champenois deviendra célèbre dans le monde entier en signant un contrat d'exclusivité avec le peintre tchèque Alphonse Mucha, le créateur de l'Art nouveau dans le monde publicitaire.

En 1867, la Compagnie du Paris-Orléans rachète la ligne de Sceaux inaugurée en 1846. La voix est ensuite prolongée jusqu'à Orsay puis Limours. Elle correspondait à l'actuel tracé sud du RER B.

L'affiche montre un restaurant perché dans un arbre et deux médaillons. L'un des médaillons, en haut au centre, présente la tour de Chevreuse (Château de la Madeleine), l'autre, en bas à gauche un paysages des Vaux de Cernay. L'arrière plan montre, en perspective, le clocher de Sceaux et les villes d'Antony, Massy et Palaiseau.

L'intérêt de cette image est de nous montrer ce restaurant haut perché. En 1848, un restaurateur parisien, Joseph Gueusquin, aménage, au Plessis-Piquet (aujourd'hui Le Plessis-Robinson), des cabanes en bois dans les branches d'un châtaigner immense de la rue de Malabry. On y monte par des escaliers. Afin de faire en sorte que les serveurs n'aient pas à monter et descendre sans arrêt ces escaliers, les commandes sont hissées dans des paniers à l'aide de cordes et de poulies, comme on le voit sur l'affiche. Il baptise son établissement "Au Grand Robinson" en référence aux romans très populaires à l'époque "Robinson Crusoé" et "Le Robinson Suisse". Un grand nombre d'établissements concurrents ouvrent le long de la rue de Malabry, dans d'autres châtaigniers, comme l'Ermitage, le Pavillon bleu ou l'Arbre des Roches. La concurrence est féroce, à tel point, que la famille Gueusquin rebaptise son restaurant en 1888, "Au vrai Arbre de Robinson" pour revendiquer l'antériorité. Ces restaurants ont attiré des milliers de parisiens pendant plus d'un siècle. Ils mélangeaient toutes les classes sociales; on y trouvait des ouvriers venus danser le dimanche mais aussi des gens célèbres comme Honoré de Balzac, Alfred de Musset ou Emile Zola. Le futur Napoléon III, le Tsar de Russie, Maurice Utrillo furent aussi des clients de ces restaurants perchés.

La renommée de ces restaurants-guinguettes est telle qu'en 1909, la commune du Plessis-Piquet change de nom pour devenir Plessis-Robinson.

Après la deuxième guerre mondiale, l'essor de l'automobile et l'urbanisation provoquent le déclin des guinguettes. Les châtaigniers sont coupés et les établissements ferment les uns après les autres. 

Le dernier restaurant perché ferme en 1970, mais cette affiche témoigne de ce genre de construction originale qui a attiré tant de parisiens.
 

Comme le monde est petit!

 

Toile de l'italien Agnolo di Cosimo, dit Bronzino, de 1552, intitulée "Doppio ritratto del Nano Morgante" (Portrait du nain Nano Morgante). Ce double tableau est conservé au Palais Pitti à Florence, en Italie.

A l'époque, un débat faisait rage entre les partisans de la sculpture et ceux de la peinture. Les premiers prétendaient que la sculpture était supérieure à la peinture car elle exposait un sujet sur tous les angles. Bronzino, en peignant ce double portrait sur les deux côtés d'une toile a tenté de répondre à cette critique. Il s'agit d'une véritable prouesse technique, car la toile étant peinte des deux côtés, il ne fallait pas que les pigments traversent la toile. Au Palais Pitti, la double toile est protégée par une vitrine en verre qui permet aux visiteurs de faire le tour pour admirer les deux faces, comme s'il s'agissait d'une statue.

Braccio di Bartolo surnommé par dérision Nano Morgante, en référence au géant Morgante du poème de Luigi Pulci, tenait un rôle important à la cour du grand-duc Cosme 1er de Médicis. Il était à la fois le bouffon, le conseiller et le confident du duc.

Posséder des personnes présentant des particularités physiques était un signe de richesse et de pouvoir. Certains souverains, en Europe, ont même organisé des mariages de nains afin de produire d'autres nains de cour. 

Il existe dans le jardin de Boboli à Florence, une fontaine surmonté d'une statue de marbre blanc, représentant Nano Morgante nu chevauchant une statue réalisée par Valerio Cioli, appelée la fontaine du petit Bacchus. La tortue était le symbole fétiche de Cosme 1er, sa devise étant "Festina lente" (hâte-toi lentement). Pour ceux qui seraient tenté d'aller admirer Nano, il faut savoir que de nos jours, il s'agit d'une copie fidèle, l'originale étant conservée dans des bâtiments du domaine afin de la protéger des intempéries.

Pour en revenir au tableau, au XIXe siècle, on réalisa que la nudité du modèle était indécente et inacceptable. On fit alors ce qui était habituel de faire sans détruire la toile: ajouter des détails. On décida de transformer Nano en Bacchus. Et c'est ainsi qu'il reçut une couronne de feuilles de vignes sur la tête, son bas ventre fut recouvert d'une épaisse guirlande de grappes de raisin et jusqu'au hibou qui faisait désordre après ces transformations, qui fut remplacé par un gobelet de vin. 

Deux siècles plus tard, en 2010, une restauration minutieuse permit de retirer ces couches de peintures puritaines et de remettre à jour les papillons d'origine qui cachaient son sexe. Pourquoi Bronzino s'est-il évertué à peindre des papillons plutôt qu'autre chose? D'abord, le papillon évoque la métamorphose; vu l'endroit on n'insistera pas. Et puis, en italien, papillon se dit farfalla. Or farfalla ou farfallino est aussi le qualificatif ironique d'une personne volage, qui se disperse, qui papillonne comme on dit en français. Et c'est la raison pour laquelle, en restaurant le tableau, on est tombé sur des lépidoptères posés sur cet endroit incongru.

On ne joue plus.

 

Gravure du français Martin van Maële de 1905 intitulée "Donne-moi mes six sous, je ne joue plus".

Derrière le nom de Martin van Maële se cache un artiste français de son vrai nom Maurice, François, Alfred Martin. Né en 1863 à Boulogne-Billancourt, Maurice Martin est le fils d'un sculpteur, graveur et enseignant, Louis Alfred Martin  et de Virginie Mathilde Jeanne van Maële. Son pseudonyme est composé du nom de sa mère et de celui de son père.

Maurice Martin est un illustrateur célèbre de la Belle Epoque. Il a illustré par exemple "Les Aventures de Sherlock Holmes" d'Arthur Conan Doyle ou "Les premiers homme dans la lune" de H. G. Wells, mais aussi des ouvrages d'Anatole France ou de Théophile Gautier.

Mais, sous le pseudonyme de Martin van Maële, en collaboration avec l'éditeur anglais alors installé à Paris, Charles Carrington, il œuvre dans la clandestinité érotique en illustrant des textes de Verlaine ou de Pierre Louÿs.

En France, au début du XXe siècle, Paris est la capitale de tous les plaisirs mais pour la grande majorité des français l'appareil d'Etat impose des lois très strictes contre les "outrages aux bonnes mœurs". Martin van Maële, n'était pas vendu dans les librairies mais distribué à une clientèle restreinte d'amateur. Si Martin van Maële a bénéficié d'une ascension rapide dans la littérature érotique, c'est grâce à Charles Carrington, spécialisé dans la littérature sadomasochiste. Carrington finira par être expulsé de France en 1907 en raison du durcissement des lois.

On voit sous la légende du dessin, l'inscription Mlle J. P. On ne sait pas si cette demoiselle existait vraiment car Martin van Maële avait l'habitude de dédicacer ses dessins à des personnages fictifs ou pas, afin d'augmenter le parfum de scandale et de faire fantasmer ses clients.

Certains prétendent que la jeune femme de la gravure dissimule un fouet sous sa robe. S'il existe, il est bien caché. Mais il est certain qu'il s'agit d'une scène de domination sans d'ailleurs savoir qui domine qui. Le plus probable est que ce soit la jeune femme qui joue à une séance de punition très populaire à l'époque dans cette littérature clandestine. La jeune femme réclame sa rémunération, en disant que c'est terminé, qu'elle ne joue plus. On peut s'en convaincre en regardant son bras droit et surtout sa main où Martin van Maële a gravé des gouttes s'en échappant sans que le liquide soit clairement identifié.

Ces détails scabreux faisaient la joie des collectionneurs de l'époque et provoquaient la fureur des censeurs. On pourrait penser que Martin van Maële était lui-même un adepte de ces pratiques. Il n'en est rien. Marié, il menait une existence discrète et rangée à Varennes-Jarcy: c'était une sorte de docteur Jekyll et de mister Hyde de l'illustration.

Fabrication.

 

Enluminure de 1462, intitulé "Noblesse de la création de l'âme humaine par nature et de sa dignité et puissance".

Le manuscrit d'où elle est tirée a été réalisé à Bruges en Belgique pour le duc de Bourgogne, Philippe le Bon. Il était constitué de deux volumes, le premier a disparu mais le second est conservé à la Médiathèque Simone Veil de Valenciennes en France. Les miniatures sont attribuées à Willem Vrelant, un enlumineur flamand, et la calligraphie à David Aubert, le scribe de la cour de Bourgogne.

On voit un couple dans un lit, nus. La femme porte une coiffe  et l'homme est coiffé d'un bonnet, comme il était d'usage à cette époque. Alors qu'ils  se remettaient après avoir commis l'acte de chair, tous les deux, regardent avec stupéfaction un enfant qui arrive dans leur lit par les airs. 

Cette image représente, en fait, une tentative de fusion de la théologie chrétienne et de la biologie d'Aristote. Au moment de la conception de l'enfant Dieu insuffle l'âme humaine dans un enfant qui, grâce à la lumière divine va pénétrer le corps de la mère. Il faut reconnaître que cette intervention divine a de quoi surprendre.

Cependant, il convient aussi de dénoncer ceux qui prétendent, sur internet, qu'en fait, le couple recevait une commande effectuée sur un site en ligne, livrée à domicile. Et aussi ceux qui pensent que le mari, ébahi, demandait à sa femme; "Je croyais que tu prenais la pilule!"

Plomb dans l'aile.

 

Panneau décoratif pour dessus de porte réalisé par Jean-Honoré Fragonard vers 1770 intitulé "Vénus liant les ailes de l'Amour". Cette œuvre se trouve aujourd'hui dans une collection privée.

On peut qualifier ce panneau de tableau baladeur. Il a d'abord fait partie de la collection privée de la baronne Béatrice de Rothschild, devenue madame Ephrussi par son mariage. C'était une grande collectionneuse d'œuvres du XVIIIe siècle. Après être restée dans une collection française, elle réapparaît sur le marché de l'Art en 1969. Le tableau est acquis cette année-là, par la fondation Norton Simon Foundation de Los Angeles. Cette fondation possède l'un des plus importantes collections d'Art privées du monde. Puis, en avril 1980, il fait partie d'une vente anonyme par Sotheby's Londres, tandis qu'en 1982, il revient chez Sotheby's pour être vendu aux enchères et partir dans une collection privée au Japon. En 1999, il est de nouveau mis aux enchères avec une estimation totalement sous estimée de 20000 à 30000 $. Un acheteur au téléphone, flairant la bonne affaire, l'emporte pour 332500 $. Il est finalement racheté par un collectionneur privé dernièrement à Paris.

Le tableau montre Vénus en train de lier les ailes de son fils Cupidon. Vénus fait preuve d'une grande tendresse. Lier sans violence les ailes d'Amour, c'est imposer la fidélité forcée, arrêter le temps pour prolonger le plaisir amoureux. Cupidon est un être volage. Il passe d'un cœur à l'autre, il provoque des passions soudaines, ses victimes ressentent comme un déclic, une soudaine libération. Vénus, en utilisant un ruban pour lui rogner les ailes, dompte ses passions sauvages.

Ce thème était fort apprécié au XVIIIe siècle. C'était une façon galante de signifier son engagement amoureux. L'Amour renonce à sa liberté pour permettre aux couples qu'il a unis de durer.

Une dernière question se pose. Qu'est-ce donc que cette boule rouge située au premier plan? Certains pensent qu'il s'agit d'un jouet d'enfant, explication peu convaincante. D'autres évoquent la fameuse pomme de Discorde offert à Vénus après le jugement de Pâris. On ne voit aucune inscription, ce qui nous aurait permis de trancher, puisque Eris, la déesse de la Discorde avait écrit dessus: "A la plus belle", ce qui avait déclenché une sérieuse pagaille dans l'Olympe et la guerre de Troie. Le débat reste ouvert.

Lancelot.

 

Cette enluminure provient du manuscrit français intitulé "Le livre de Lancelot du Lac" daté d'environ 1401-1425. Ce livre est conservé à la Bibliothèque de l'Arsenal à Paris.

Dans les récits du cycle arthurien, Lancelot est réputé pour sa beauté et sa bravoure. De nombreuses femmes, qu'elles soient châtelaine ou magiciennes, sont émerveillées en le voyant et tentent de le séduire. Mais Lancelot, conformément aux règles du fin'amor reste fidèle à la reine Guenièvre.

Morgane, la demi-sœur du roi Arthur, ennemie jurée de la reine Guenièvre, passe son temps à tenter de piéger Lancelot afin de révéler à tous sa passion pour la reine.

Nous assistons dans cette scène à un des stratagèmes de la magicienne Morgane. Elle demande à une jeune femme, dont le nom reste inconnu, de se glisser nue dans le lit d'Arthur et de tout mettre en œuvre pour le faire plier. La nuit venue, Lancelot, se déshabille pour se coucher et se dirige vers son lit. C'est là qu'il découvre qu'il n'est pas seul, qu'une femme s'offre à lui, mais son amour pour Guenièvre est le plus fort. Il résiste et préfère s'enfuir en sous-vêtements, malgré le fait que l'inconnue s'agrippe à sa liquette.

L'enlumineur a sacrifié la réalité de l'époque aux injonctions de l'Eglise. Au moyen âge, les gens dormaient entièrement nus sans intention érotique: c'était la règle. Ici, Lancelot se met au lit en conservant sa chemise et ses braies. Ce choix, bizarre pour l'époque, indique symboliquement que Lancelot refuse les avances de la dame et qu'il conserve sa pudeur.

Cette scène fait penser à la réaction de Joseph face à la femme de Putiphar qui le retient par un pan de chemise dans la Bible.

L'affaire s'arrête là. Mais, par la suite, Lancelot sera berné à l'aide d'un philtre magique qui fera apparaître Elaine de Corberic sous les traits de Guenièvre. Il consommera et de cette union incertaine naîtra Galaad qui accomplira la quête du Saint Graal. Mais ceci est une autre histoire.