Léda.

Peinture à l'huile de François boucher, réalisée en 1741-1742, intitulée "Léda  et le Cygne". Cette toile est conservée au Nationalmuseum de Stockholm en Suède.

Dans la mythologie grecque, Zeus prend l'apparence d'un cygne pour approcher Léda. Dans ce récit, il n'est nullement fait mention d'une autre femme présente. Mais Boucher a trouvé bon d'ajouter une nymphe ou une suivante, on ne sait pas, complètement nue, évidemment, afin de mieux plaire au public libertin de son époque. Et il ne se trompa pas car ce tableau, non prévu au Salon de 1742, fut intégré à la dernière minute sous le numéro 21 bis pour ne pas avoir à refaire la numérotation et appelé "Autre représentant une Léda". Le succès fut tel que l'image de Léda, dans cette pose, le bras levé et penchée, a inspiré des statuettes en biscuit de porcelaine à la manufacture de Lunéville. Dans cette interprétation de Boucher, Zeus, c'est à dire le cygne, est relégué au second plan et le regard est irrésistiblement attiré par les deux femmes.

Resituons l'histoire. Léda est une princesse d'Etolie d'une grande beauté, devenue reine de Sparte grâce à son mariage avec le roi Tyndare. Zeus, qui a un œil partout, la remarque alors qu'elle se promène le long du fleuve Eurotas. Il tombe sous son charme et décide de la séduire sur le champ. Mais comment faire?  L'eau du fleuve lui donne l'idée de se métamorphoser en cygne. Un cygne voguant sur l'eau d'une rivière, quoi de plus banal? Mais justement, c'est tellement banal, que la belle Léda n'y jettera à peine un simple coup d'œil. Alors qu'il réfléchissait à son stratagème, il aperçoit Vénus qui passait par là sans trop savoir à quoi s'occuper. Il lui explique la situation et lui demande de se transformer en aigle et de fondre sur lui pour simuler une attaque. Pour y échapper, Zeus cherchera protection dans les bras de la reine. Marché conclu. Il se précipite vers Léda, poursuivi par l'aigle. Léda, attendrie, protège la bête, chasse l'aigle, réchauffe le cygne contre elle et succombe émerveillée par le volatile. Evidemment, Zeus en profite et arrive à ses fins.

D'ordinaire, ceux qui racontent l'histoire s'arrêtent là. Sauf que justement, elle ne s'arrête pas là. Léda, voulant peut être brouiller les pistes, rentre chez elle et s'unit aussi avec son époux légitime, le roi Tyndare.

Le problème, c'est que ces deux unions consécutives, mirent la belle Léda dans une situation embarrassante qui devait se terminer par la naissance d'enfants des deux pères. D'abord, Léda, contrairement à la coutume, donna naissance à deux œufs, à cause de l'apparence que prit Zeus. Et de ces œufs naquirent deux enfants immortels Hélène et Pollux de l'un, issus de l'union avec Zeus et deux enfants mortels, Clytemnestre et Castor de l'autre, issus de l'union avec Tyndare. On espère que tout le monde suit.

Cette descendance est à l'origine des plus grands drames grecs puisque la beauté d'Hélène provoquera la guerre de Troie. Castor et Pollux, eux accomplirent de grands exploits en compagnie des Argonautes, mais Castor, qui est mortel, est tué un jour au combat. Pollux supplie Zeus de ne pas les séparer. Zeus, qui se sentait un peu coupable, accepte et les place dans le ciel dans la constellation des Gemeaux. Quant à Clytemnestre, elle épouse le roi Agamemnon, et l'assassine, ainsi que la princesse Cassandre, dès son retour de la guerre de Troie. Dit comme ça, on a le droit d'être surpris, mais il faut savoir qu'Agamemnon avait tué le premier mari de Clytemnestre, Tantale, et leur enfant et qu'il l'avait épousé ensuite. On était quitte.

Ce qui a énormément séduit les peintres et les sculpteurs, c'est la présence du cygne avec Léda. Les tableaux les représentant sont innombrables dont voici quelques exemples.

Tout d'abord, une mosaïque romaine représentant Léda et le cygne. Elle provient d'une demeure romaine située à Palaepaphos (actuelle Koubia, près du sanctuaire d'Aphrodite) à Chypre. Elle est datée de la fin du IIe siècle après J. C. Elle est conservée au Musée de Chypre à Nicosie.

Peinture sur bois considérée comme une copie du chef-d'œuvre perdu de Léonard de Vinci et réalisé par un de ses disciples daté des années 1510-1520. Ce tableau est conservé à la Galerie Borghèse à Rome en Italie.

Léda et le Cygne de Pierre-Paul Rubens, daté d'environ 1600. Cette huile sur panneau est conservée au Musée des Beaux-Arts de Houston aux USA.

Tableau réalisé par le peintre français Jean Baptiste Marie Pierre, qui fut Premier peintre de Louis XV, réalisé dans la seconde moitie du XVIIIe siècle. Il est conservé au Museu Nacional de Belas Artes de Rio de Janeiro au Brésil.

Tableau de l'italien Le Corrège, réalisé vers 1531-1532 conservé à la Gemälgalerie de Berlin. Ce tableau est assez complexe. A droite en bas, on voit le cygne se poser sur l'eau à côté de Léda. Au centre, c'est l'union célébré par Cupidon et des amours musiciens, puis une fois l'affaire faite, en haut à droite, on voit le cygne prendre son envol et Léda se rhabiller, l'air satisfaite.

Huile sur toile du XVIIIe siècle réalisée par le français Jean-François de Troy. Ce tableau est conservé au Musée d'Art et d'Histoire de Chaumont en France.

Fresque d'Eugène Delacroix datée de 1834. Delacroix a peint Léda et le Cygne lors d'un séjour à l'abbaye de Valmont en Seine-Maritime. Elle était destinée à orner un dessus de porte. Elle est conservée au Musée national Eugène-Delacroix à Paris.

 

Aquarelle et gouache sur papier vers 1882 du peintre français Gustave Moreau. Collection privée.

  

Huile sur toile de Paul Cézanne vers 1880. Ce tableau est conservé à la Fondation Barnes à Philadelphie aux USA.

Léda atomique, peint par Salvador Dali en 1949. Le tableau est conservé au Théâtre-Musée Dali de Figueres en Espagne. Dans ce tableau Léda est son épouse Gala, et Dali s'identifie lui-même en Cygne. Ce tableau fait partie de la période nucléaire de Dali et est inspirée par la physique quantique. L'analyse complète du tableau nous emporterait trop loin, sur des calculs géométriques, des proportions basées sur le nombre d'or et des considérations de mécanique quantique.

Gertrude.

 

Estampe de Gérard Vidal destinée à illustrer le conte en vers de Voltaire intitulé "Gertrude, ou l'Education d'une fille" datée de 1763.

L'image nous montre une femme qui, sur le pas de porte d'un pavillon, une nuit de pleine lune, surprend par la porte entrouverte, un couple enlacé.

Madame Gertrude mène une vie austère et pieuse et élève sa fille de dix-sept ans, nommée Isabelle, dans la plus grande vertu. En réalité, la vie de madame Gertrude n'est pas si austère que ça car elle entretient une liaison torride avec un jeune amant nommé André. Chaque nuit, André la rejoint dans ce pavillon relié secrètement à son boudoir. Sa fille, Isabelle, qui n'est au courant de rien, entend parfois une voix masculine assourdie dans l'oratoire de sa mère. Intriguée, elle décide d'en parler à sa mère. Madame Gertrude ne se démonte pas et lui dit qu'il s'agit certainement de saint André qui lui apparaît souvent la nuit alors qu'elle se trouve en prières, récitant des patenôtres. 

Apprendre qu'un saint apparaît la nuit à sa mère suite à ses prières, trouble Isabelle. Malgré son éducation rangée, elle a un peu de mal à croire cette histoire. N'y tenant plus, une nuit, par un beau clair de lune, elle traverse le jardin pour se rendre dans ce petit pavillon isolé. Elle s'approche de l'entrée. C'est ce moment précis que nous montre l'estampe. Et là, elle surprend sa mère dans les bras de son amant en train de l'embrasser. André est bien là, mais, de toute évidence, il n'a rien d'un petit saint.

Ne souhaitant pas créer le désordre, Isabelle décide de ne pas parler de sa découverte à sa mère. Cependant, cette scène entrevue la taraude et comme sa mère a toujours été pour elle un exemple, elle se décide, quelque temps plus tard, à accorder quelques faveurs à un jeune homme de sa connaissance, un prénommé Denis. 

Hélas! la jeune fille est novice et elle alors qu'elle se trouve en compagnie de Denis, elle se fait surprendre pas sa mère. Madame Gertrude s'offusque, s'indigne, et demande des comptes à sa fille. Ironiquement, Isabelle explique à sa mère, qu'en fait, elle prie saint Denis, qui lui apparaît de temps en temps. Madame Gertrude est démasquée. Elle abandonne les prétendues prières et introduit sa fille dans le monde. Notons toutefois, que prier saint Denis n'empèche pas de perdre la tête, bien au contraire.

On aura compris que Voltaire, dans ce conte satirique, fustige l'hypocrisie religieuse et la fausse pruderie de son temps. S'il nous reste toutefois une morale à tirer de cette histoire c'est que, mesdames, il est important de toujours savoir à quel saint vous vouer. 

Vue de l'intérieur.

Enluminure extraite du Roman de la Rose, écrit vers 1490 représentant Néron assistant à la dissection de sa mère, Agrippine la jeune.

On voit Néron, portant couronne et vêtements médiévaux de velours assister à la dissection de sa mère qu'il a fait assassiner. Selon Tacite, un astrologue avait prédit à Agrippine que son fils régnerait, mais qu'il l'assassinerait. Au moment où les soldats envoyées par Néron sont arrivés dans sa villa en 59 après J. C., elle leur aurait tendu le ventre en s'écriant: "Frappe ici!", sous entendu, frappe ce ventre qui a conçu un tel monstre. Au moyen âge, la légende prétendait que Néron voulait voir d'où il venait et qu'il avait demander qu'on lui ouvre le ventre pour mieux s'en rendre compte. En réalité, les historiens romains racontent que Néron est juste venu contempler le cadavre dénudé de sa mère et qui a commenté sa beauté. Il avait critiqué certaines parties du corps et apprécié d'autres en faisant des commentaires. Puis il avait demandé à boire. Ce qui est déjà peu banal.

Contrairement à une idée répandue, l'Eglise n'a jamais interdit les dissections à but médical. La pratique s'est même développée dans les universités tenues par l'Eglise dès le XIIIe siècle. La confusion provient de la bulle du pape Boniface VIII "Detestande feritatis" (De la détestable férocité) datée de 1299. Ce texte ne visait pas la médecine mais la pratique des croisés consistant à démembrer et à faire bouiller les cadavres des nobles morts au cours des croisades afin de rapporter leurs ossements plus facilement dans leurs fiefs.

Au moyen âge, les dissections, qui étaient publiques, faisaient intervenir trois personnages: le professeur (lector), assis sur une chaise en hauteur, lisait à voix haute les textes anciens de Gallien, un assistant (ostentor) désignait, au fil de la lecture, les organes à l'aide d'une baguette, et le barbier-chirurgien, considéré comme un simple artisan, maniait le couteau. Il n'existait aucun produit de conservation, c'est la raison pour laquelle les dissections avaient lieu uniquement en plein hiver pour freiner la décomposition. Une séance de dissection durait quatre jours en suivant un ordre précis: d'abord les organes les plus fragiles qui se gâtent le plus vite, puis le thorax, la tête et enfin les membres. On disséquait principalement les corps des criminels exécutés sans famille connue. Le but de ces dissections n'était pas de faire des découvertes mais juste de vérifier le bien fondé des récits de Gallien. A noté que Gallien avait surtout disséqué des porcs et des singes. Si par hasard, et c'est arrivé, on trouvait un organe qui différait de la description qu'en avait fait Gallien, on ne remettait pas en doute ses écrits, mais on en déduisait que depuis le temps où Gallien officiait, le corps humain avait dégénéré. Ce n'est qu'à partir du XVIe siècle que André Vésale osa contredire Gallien.

En clair, les auteurs ont exagéré la légende antique pour accentuer le côté bestial et la monstruosité de Néron, qui n'avait vraiment pas besoin de ça.

Voyage.

Affiche de 1892 intitulée "Chemin de fer d'Orléans: Paris à sceaux & Limours", réalisée par l'imprimerie Champenois pour promouvoir le tourisme dominical. Cette affiche est conservée à la BNF ainsi qu'aux Archives départementales des Hauts-de-Seine.

L'imprimerie Champenois était située 66 boulevard Saint-Michel à Paris. En 1892, Ferdinand Champenois deviendra célèbre dans le monde entier en signant un contrat d'exclusivité avec le peintre tchèque Alphonse Mucha, le créateur de l'Art nouveau dans le monde publicitaire.

En 1867, la Compagnie du Paris-Orléans rachète la ligne de Sceaux inaugurée en 1846. La voix est ensuite prolongée jusqu'à Orsay puis Limours. Elle correspondait à l'actuel tracé sud du RER B.

L'affiche montre un restaurant perché dans un arbre et deux médaillons. L'un des médaillons, en haut au centre, présente la tour de Chevreuse (Château de la Madeleine), l'autre, en bas à gauche un paysages des Vaux de Cernay. L'arrière plan montre, en perspective, le clocher de Sceaux et les villes d'Antony, Massy et Palaiseau.

L'intérêt de cette image est de nous montrer ce restaurant haut perché. En 1848, un restaurateur parisien, Joseph Gueusquin, aménage, au Plessis-Piquet (aujourd'hui Le Plessis-Robinson), des cabanes en bois dans les branches d'un châtaigner immense de la rue de Malabry. On y monte par des escaliers. Afin de faire en sorte que les serveurs n'aient pas à monter et descendre sans arrêt ces escaliers, les commandes sont hissées dans des paniers à l'aide de cordes et de poulies, comme on le voit sur l'affiche. Il baptise son établissement "Au Grand Robinson" en référence aux romans très populaires à l'époque "Robinson Crusoé" et "Le Robinson Suisse". Un grand nombre d'établissements concurrents ouvrent le long de la rue de Malabry, dans d'autres châtaigniers, comme l'Ermitage, le Pavillon bleu ou l'Arbre des Roches. La concurrence est féroce, à tel point, que la famille Gueusquin rebaptise son restaurant en 1888, "Au vrai Arbre de Robinson" pour revendiquer l'antériorité. Ces restaurants ont attiré des milliers de parisiens pendant plus d'un siècle. Ils mélangeaient toutes les classes sociales; on y trouvait des ouvriers venus danser le dimanche mais aussi des gens célèbres comme Honoré de Balzac, Alfred de Musset ou Emile Zola. Le futur Napoléon III, le Tsar de Russie, Maurice Utrillo furent aussi des clients de ces restaurants perchés.

La renommée de ces restaurants-guinguettes est telle qu'en 1909, la commune du Plessis-Piquet change de nom pour devenir Plessis-Robinson.

Après la deuxième guerre mondiale, l'essor de l'automobile et l'urbanisation provoquent le déclin des guinguettes. Les châtaigniers sont coupés et les établissements ferment les uns après les autres. 

Le dernier restaurant perché ferme en 1970, mais cette affiche témoigne de ce genre de construction originale qui a attiré tant de parisiens.
 

Comme le monde est petit!

 

Toile de l'italien Agnolo di Cosimo, dit Bronzino, de 1552, intitulée "Doppio ritratto del Nano Morgante" (Portrait du nain Nano Morgante). Ce double tableau est conservé au Palais Pitti à Florence, en Italie.

A l'époque, un débat faisait rage entre les partisans de la sculpture et ceux de la peinture. Les premiers prétendaient que la sculpture était supérieure à la peinture car elle exposait un sujet sur tous les angles. Bronzino, en peignant ce double portrait sur les deux côtés d'une toile a tenté de répondre à cette critique. Il s'agit d'une véritable prouesse technique, car la toile étant peinte des deux côtés, il ne fallait pas que les pigments traversent la toile. Au Palais Pitti, la double toile est protégée par une vitrine en verre qui permet aux visiteurs de faire le tour pour admirer les deux faces, comme s'il s'agissait d'une statue.

Braccio di Bartolo surnommé par dérision Nano Morgante, en référence au géant Morgante du poème de Luigi Pulci, tenait un rôle important à la cour du grand-duc Cosme 1er de Médicis. Il était à la fois le bouffon, le conseiller et le confident du duc.

Posséder des personnes présentant des particularités physiques était un signe de richesse et de pouvoir. Certains souverains, en Europe, ont même organisé des mariages de nains afin de produire d'autres nains de cour. 

Il existe dans le jardin de Boboli à Florence, une fontaine surmonté d'une statue de marbre blanc, représentant Nano Morgante nu chevauchant une statue réalisée par Valerio Cioli, appelée la fontaine du petit Bacchus. La tortue était le symbole fétiche de Cosme 1er, sa devise étant "Festina lente" (hâte-toi lentement). Pour ceux qui seraient tenté d'aller admirer Nano, il faut savoir que de nos jours, il s'agit d'une copie fidèle, l'originale étant conservée dans des bâtiments du domaine afin de la protéger des intempéries.

Pour en revenir au tableau, au XIXe siècle, on réalisa que la nudité du modèle était indécente et inacceptable. On fit alors ce qui était habituel de faire sans détruire la toile: ajouter des détails. On décida de transformer Nano en Bacchus. Et c'est ainsi qu'il reçut une couronne de feuilles de vignes sur la tête, son bas ventre fut recouvert d'une épaisse guirlande de grappes de raisin et jusqu'au hibou qui faisait désordre après ces transformations, qui fut remplacé par un gobelet de vin. 

Deux siècles plus tard, en 2010, une restauration minutieuse permit de retirer ces couches de peintures puritaines et de remettre à jour les papillons d'origine qui cachaient son sexe. Pourquoi Bronzino s'est-il évertué à peindre des papillons plutôt qu'autre chose? D'abord, le papillon évoque la métamorphose; vu l'endroit on n'insistera pas. Et puis, en italien, papillon se dit farfalla. Or farfalla ou farfallino est aussi le qualificatif ironique d'une personne volage, qui se disperse, qui papillonne comme on dit en français. Et c'est la raison pour laquelle, en restaurant le tableau, on est tombé sur des lépidoptères posés sur cet endroit incongru.

On ne joue plus.

 

Gravure du français Martin van Maële de 1905 intitulée "Donne-moi mes six sous, je ne joue plus".

Derrière le nom de Martin van Maële se cache un artiste français de son vrai nom Maurice, François, Alfred Martin. Né en 1863 à Boulogne-Billancourt, Maurice Martin est le fils d'un sculpteur, graveur et enseignant, Louis Alfred Martin  et de Virginie Mathilde Jeanne van Maële. Son pseudonyme est composé du nom de sa mère et de celui de son père.

Maurice Martin est un illustrateur célèbre de la Belle Epoque. Il a illustré par exemple "Les Aventures de Sherlock Holmes" d'Arthur Conan Doyle ou "Les premiers homme dans la lune" de H. G. Wells, mais aussi des ouvrages d'Anatole France ou de Théophile Gautier.

Mais, sous le pseudonyme de Martin van Maële, en collaboration avec l'éditeur anglais alors installé à Paris, Charles Carrington, il œuvre dans la clandestinité érotique en illustrant des textes de Verlaine ou de Pierre Louÿs.

En France, au début du XXe siècle, Paris est la capitale de tous les plaisirs mais pour la grande majorité des français l'appareil d'Etat impose des lois très strictes contre les "outrages aux bonnes mœurs". Martin van Maële, n'était pas vendu dans les librairies mais distribué à une clientèle restreinte d'amateur. Si Martin van Maële a bénéficié d'une ascension rapide dans la littérature érotique, c'est grâce à Charles Carrington, spécialisé dans la littérature sadomasochiste. Carrington finira par être expulsé de France en 1907 en raison du durcissement des lois.

On voit sous la légende du dessin, l'inscription Mlle J. P. On ne sait pas si cette demoiselle existait vraiment car Martin van Maële avait l'habitude de dédicacer ses dessins à des personnages fictifs ou pas, afin d'augmenter le parfum de scandale et de faire fantasmer ses clients.

Certains prétendent que la jeune femme de la gravure dissimule un fouet sous sa robe. S'il existe, il est bien caché. Mais il est certain qu'il s'agit d'une scène de domination sans d'ailleurs savoir qui domine qui. Le plus probable est que ce soit la jeune femme qui joue à une séance de punition très populaire à l'époque dans cette littérature clandestine. La jeune femme réclame sa rémunération, en disant que c'est terminé, qu'elle ne joue plus. On peut s'en convaincre en regardant son bras droit et surtout sa main où Martin van Maële a gravé des gouttes s'en échappant sans que le liquide soit clairement identifié.

Ces détails scabreux faisaient la joie des collectionneurs de l'époque et provoquaient la fureur des censeurs. On pourrait penser que Martin van Maële était lui-même un adepte de ces pratiques. Il n'en est rien. Marié, il menait une existence discrète et rangée à Varennes-Jarcy: c'était une sorte de docteur Jekyll et de mister Hyde de l'illustration.

Fabrication.

 

Enluminure de 1462, intitulé "Noblesse de la création de l'âme humaine par nature et de sa dignité et puissance".

Le manuscrit d'où elle est tirée a été réalisé à Bruges en Belgique pour le duc de Bourgogne, Philippe le Bon. Il était constitué de deux volumes, le premier a disparu mais le second est conservé à la Médiathèque Simone Veil de Valenciennes en France. Les miniatures sont attribuées à Willem Vrelant, un enlumineur flamand, et la calligraphie à David Aubert, le scribe de la cour de Bourgogne.

On voit un couple dans un lit, nus. La femme porte une coiffe  et l'homme est coiffé d'un bonnet, comme il était d'usage à cette époque. Alors qu'ils  se remettaient après avoir commis l'acte de chair, tous les deux, regardent avec stupéfaction un enfant qui arrive dans leur lit par les airs. 

Cette image représente, en fait, une tentative de fusion de la théologie chrétienne et de la biologie d'Aristote. Au moment de la conception de l'enfant Dieu insuffle l'âme humaine dans un enfant qui, grâce à la lumière divine va pénétrer le corps de la mère. Il faut reconnaître que cette intervention divine a de quoi surprendre.

Cependant, il convient aussi de dénoncer ceux qui prétendent, sur internet, qu'en fait, le couple recevait une commande effectuée sur un site en ligne, livrée à domicile. Et aussi ceux qui pensent que le mari, ébahi, demandait à sa femme; "Je croyais que tu prenais la pilule!"